Сообщество - FANFANEWS

FANFANEWS

1 015 постов 1 072 подписчика

Популярные теги в сообществе:

6

Коротенько о книге Эдвара Бульвер-Литтона «Грядущая раса»

Эта книга относится к разряду прогностических видений об устройстве и жизни общества будущего и написана в виде исследовательской работы.

Что-то наподобие романа «Париж в 20 веке» Жюля Верна, написана она тоже в 19-м столетии, но англичанином – Эдвардом Бульвер-Литтоном, прозаиком, поэтом, драматургом, переводчиком и политиком. Издана книга была под псевдонимом Лоренс Олифант, в 1872 году, за несколько месяцев до смерти 70-летнего писателя. Интересно, что в России первое издание этой книги состоялось в том же 1872-м, ещё при жизни писателя под названием, не слишком благозвучным для нашего времени, но для той эпохи вполне достойным - «Будущая порода людей».

Книги этого писателя вообще любили издавать в дореволюционной России: публика зачитывалась историческим романом пера Бульвера-Литтона «Последний день Помпеи», а также его эпической поэмой «Король Артур». Пришлась по душе читателю и эта фантастическая книга, тем более, что модную в то время научно-позитивистскую повестку писатель объединил в романе с не менее модной (причём всегда) оккультно-мистической тематикой.

Судите сами:

  • с одной стороны — Прогресс, мы читаем о равенстве в будущем мужчин и женщин, о правильности дарвиновской теории эволюции, о социальных преобразованиях, НТР, повсеместной грамотности (а всё это для конца 19 века - ещё фантастика) и прочих передовых идеях;

  • с другой: именно в романе «Грядущая раса» впервые была описана и названа магическая энергия Врил (Вриль), придумал её Бульвер-Литтон. В «Грядущей расе» это главный энергетический источник (та самая энергия, которой ныне пользуются в различных фантастических произведениях фашистко-немецкие оккультисты).

    В общем, в книге можно найти много чего интересного.

Другие мои отзывы на книги коротенько:

Показать полностью 1
35

«Трансформеры» — какие из них лучшие?

Насколько хорошо сейчас смотрятся классические «Трансформеры»? Почему некоторые синефилы считают Майкла Бэя недооцененным режиссером-автором? Павел Пугачёв оценил «Трансформеры» в ключевых уникальных номинациях и выделил двух фаворитов.

Лучшая девушка — Меган Фокс («Трансформеры: Месть падших», 2009)

Главной инвестицией Майкла Бэя в изначально детскую вселенную «Трансформеров» был секс. Первый фильм франшизы можно описать как смесь «Инопланетянина» с «Американским пирогом»: одинокий нерд-подросток встречает неземного друга (автобот Бамблби) и неземную красавицу Микаэлу (Меган Фокс), с помощью которой можно наконец распрощаться с девственностью.

Сейчас, конечно, такой расклад в мейнстримном кино представить едва ли возможно. То, с каким нахальством камера Бэя занимается беззастенчивой объективацией (годы съемок рекламы нижнего белья и купальников не прошли даром), у сегодняшнего зрителя может вызвать оторопь. К чести режиссера и сценаристов стоит сказать, что характер Микаэлы Бэйнс прописан более подробно, чем того требует жанр.

Знающая толк в машинах несовершеннолетняя преступница Микаэла — персонаж трагический. Красавица, влюбляющаяся в задрота с эмоциональным интеллектом отвертки, — это сюжет куда более печальный, чем вечная разрушительная война одних инопланетных роботов с другими. В «Мести падших», второй части франшизы, девушка пытается сохранить отношения на расстоянии и даже после того, как застукала героя ЛаБафа с коварной соблазнительницей в постели, летит вместе с ним через всю Атлантику, чтобы спасти мир и получить наконец от инфантильного бойфренда признание в любви. В следующем фильме героини уже не будет. «Не сошлись во взглядах на будущее», — впроброс скажет герой ЛаБафа, прикрывая так до сих пор и не проясненную причину увольнения Фокс из франшизы.

Увы, но создатели проекта не смогли сделать полноценной героиней ни британскую топ-модель Роузи Хантингтон-Уайтли, прибывшую в «Темную сторону Луны» на замену Фокс, ни Николу Пельтц Бекхэм в «Эпохе истребления». Все-таки чтобы создать интересную героиню в мачистском экшене, авторам стоит иногда думать о сценарии, а не только о длине ног и соответствии текущим стандартам красоты. Что касается Хейли Стайнфелд в «Бамблби», то она настолько выбивается из ряда девушек в этой предельно маскулинной франшизе, что требует отдельного разговора.

Лучшая тачка — «Трансформеры» (2007), «Бамблби» (2018)

Очеловечить машину не самая простая задача для кинематографиста, не работающего в Pixar. Разваливающаяся на глазах Chevrolet Camaro 1976 года, трансформирующаяся в озорного автобота Бамблби, стоит всего остального роскошного автопарка, что появляется в первом фильме киносериала. Машина здесь подбирает (не)подходящую моменту музыку, помогает Сэму сойтись с Микаэлой, дерзит главному герою и в нужные моменты приходит ему на помощь. И это с минимумом слов и превращений в человекоподобного робота!

Куда более многословен, но и трогателен «Бамблби» — спин-офф, рассказывающий историю первого визита желтого робота на Землю. Здесь он и правда похож на пчелу. Энтомологические ассоциации усиливает то обстоятельство, что Бамблби превращается в «Фольксваген Жук» (ломая тем самым негласное правило франшизы «хорошие — на американских машинах, плохие — на всех остальных»). Если в первых «Трансформерах» автобот своим поведением напоминал ершистого подростка, то здесь он совсем еще ребенок, непоседа, который может случайно разгромить всю квартиру, согласиться на проказы в духе «закидать яйцами машину противной девчонки», совсем не зная меры в веселье.

Самый мощный саундтрек — «Трансформеры», 2007

Тут безоговорочно побеждает первый фильм. Мало того что песня «What I’ve Done» стала хитом еще до выхода блокбастера, так и годы спустя она железно ассоциируется не только с «Трансформерами», но и тем самым две тысячи седьмым, которого никто нам уже не вернет.

Ню-метал-группа Linkin Park работала для франшизы еще дважды, написав специально для «Мести падших» отличную песню «New Divide» и предоставив для триквела трек «Iridescent» с альбома 2010 года; песни замечательные, но так и не ставшие соразмерными «What I’ve Done» хитами.

Отдельно хочется отметить попытку обновить трек-лист в четвертой части. Место Linkin Park заняли Imagine Dragons со стадионным рок-боевиком «Battle Cry», но никакая оркестровка и мощные ударные не заменят вокальной экспрессии Честера Беннингтона и умения Майка Шиноды делать красивейшие песни из трех аккордов и двух звуковых приемов.

Что же касается «Бамблби», то ретроэфир из примерно всех хитов 1980-х (The Smiths, Duran Duran, Simple Minds, Bon Jovi, A-ha, Рик Эстли) впечатляет разве что выделенным под саундтрек бюджетом и ленью музыкального супервайзера.

Самые масштабные разрушения — «Трансформеры 3: Темная сторона Луны», 2011

Наверное, мало кто из голливудских режиссеров чувствовал себя так плохо после терактов 11 сентября, как Майкл Бэй. Временный мораторий на пиротехнику в городских условиях, полеты вблизи небоскребов и масштабных разрушений инфраструктуры на экране как будто бы сдерживал его в первых двух частях «Трансформеров».

Например, в «Трансформерах» 2007 года битва двух группировок космических роботов (куда также вписались американские морпехи и военная авиация) в заставленном высотками деловом центре Лос-Анджелеса едва затрагивает собственно здания. В «Мести падших» (2009) сражения происходят то в лесополосе, то в промзонах, то в египетских Фивах (бедные пирамиды превращают в торт «Наполеон»).

Но в 2011-м, когда вышел триквел «Темная сторона Луны», Бэй устроил то еще вагнерианское безумие. Чикаго здесь оккупируют орды десептиконов, вбивающие клинья в землю, честно планирующие превратить людей в рабов и устраивающие блокаду города. Башня Трампа складывается в гармошку, пока герои катятся по ее стенам. Десептиконы, как валькирии, рассекают над городом и поливают его огнем. На фоне этого действительно страшного эпизода пиксельное крошилово предыдущих и последующих фильмов производит куда меньшее впечатление.

Лучший экшен — «Трансформеры: Эпоха истребления», 2014

Одно дело — ломать, другое дело — выстраивать хореографию боев. «Трансформеров» часто и справедливо ругали за однообразие, но в квадриквеле, затеянном как начало новой трилогии (уже без ЛаБафа!), Бэй нашел, чем удивить посетителей мультиплексов. Тут есть и паркур, и цирковая эквилибристика на высоте нескольких тысяч метров, и стрельба в воздухе из двух мегапушек, и — короткий, но совершенно незабываемый кадр — удар колесом машины по лицу! В общем, тут сразу вспоминаешь, что Бэй поставил и «Плохих парней», и «Армагеддон», и «Скалу». Пожалуй, именно эту часть «Трансформеров» можно рекомендовать тем, кто любит Бэя за брутальный гламур боевиков конца 90-х; он и сам считает эту часть своей главной удачей в киносериале.

Режиссер, в перерыве между третьим и четвертым фильмами серии поставивший «Кровью и потом», вернулся во франшизу на пике формы. Любой диалог тут поставлен как экшен, снайперски точно подобраны нужные ракурсы. Бэй снимает против света и крепит цифровые камеры буквально на все движущиеся объекты (а ведь вплоть до работы над «Кровью и потом» режиссер признавался, что ненавидит цифру). И, в отличие от совсем уже разухабистого пятого фильма, «Эпоха истребления» не превращается в монтажный винегрет, а выглядит фильмом вполне соразмерного зрителю масштаба и ритма.

Лучшее интро — «Трансформеры 3: Темная сторона Луны», 2011

Если в мировой истории что-то шло не так, смело вините в этом десептиконов. Во вступительной сцене «Эпохи истребления» эти злодеи уничтожили динозавров на Земле, в начале «Мести падших» атаковали африканских аборигенов, в первых «Трансформерах» срывали миротворческую операцию в Катаре.

Пролог «Последнего рыцаря» стоит отдельного разговора. Как и полагается фильму с подобным названием, тут все начинается с мечей и замков: открывающая сцена разворачивается в средневековой Англии. С героями меча и магии (есть даже волшебник Мерлин в карикатурном исполнении Стэнли Туччи) сталкиваются десептиконы, летающие на чугунных крыльях. Жаль только, что этот остроумно придуманный эпизод выглядит еще одной заплаткой, приклеенной на рвущуюся ткань фильма, пострадавшего по итогам многократного переписывания сценария и перемонтажа.

Поэтому однозначный фаворит — триквел «Темная сторона Луны». Он стартует с высадки американских астронавтов на Луну. Этот эпизод бесподобно смонтирован с реальной хроникой, где на манер программы «Намедни» или некоторых сцен фильма «Форрест Гамп» Джон Кеннеди получает секретное донесение о столкновении с внеземной цивилизацией, а астронавты Базз Олдрин и Нил Армстронг ошарашенно смотрят на упавший корабль автоботов и прерывают эфир на несколько минут.

Самый наглый продакт-плейсмент — «Трансформеры», 2007

Нахальству (не)скрытой рекламы во франшизе могут позавидовать авторы наших «Дозоров» и «Елок». Герои здесь то и дело оказываются на фоне рекламных плакатов, а посреди батального эпизода могут красиво открыть банку пива или газировки. Но все коллаборации с брендами перевешивает сотрудничество с американским Минобороны.

Первые «Трансформеры» — это не только «Инопланетянин» с сексом, но и мощнейшая реклама американского военно-промышленного комплекса. Минобороны США безвозмездно предоставило для съемок действующие образцы передовой военной техники (вертолеты, самолеты-истребители, танки и т. д.) и несколько сотен солдат в качестве массовки. Без такой поддержки немаленький бюджет в 150 миллионов вырос бы еще раза в два.

Однако сегодня кажется, что свою часть сделки продюсеры выполнили спустя рукава (если не произносить слово «саботаж»). Пересматривая первый фильм сейчас, трудно не заметить, насколько линия про миротворческую миссию в Катаре выглядит притянутой за уши. Группа морпехов под руководством героя Джоша Дюамеля спасается от полчищ десептиконов в пустыне (что они тут забыли?), спасает арабского мальчика и вскоре отправляется спасать уже Лос-Анджелес от очередной иноземной угрозы демократии.

Стоит ли говорить о том, что в «Бамблби» высшие военные чины США начинали сотрудничать с плохими десептиконами ради «окончательной победы в холодной войне», что бы это ни значило в 1987 году, когда разворачивается действие фильма.

Самый своевременный политический комментарий — «Трансформеры: Эпоха истребления», 2014

«Отправьте их домой», — говорит в первых «Трансформерах» про поналетевших десептиконов министр обороны; его не случайно играет Джон Войт, известный своими правоконсервативными взглядами и многолетней поддержкой Республиканской партии. В общем, прозорливые американские зрители могли догадаться, что речь тут идет не только и не столько об инопланетных цивилизациях, а о других, земных приезжих, время от времени «угрожающих» нацбезопасности США.

Если в первых фильмах хорошие инопланетные роботы начинали сотрудничество с американскими властями и организовали своего рода ЧВК, участвующую в разборках по всему миру бок о бок с элитными наемниками, то к четвертому все радикально изменилось. Можно сказать, что пиротехник стал вдруг пацифистом.

В «Эпохе истребления» вообще нет никаких военных, а представители силовых структур (ФБР, ЦРУ) становятся антагонистами. Вроде бы ничего такого, но для такой ура-патриотической франшизы подобный поворот кажется едва ли не фрондой. Однако интереснее не сама эта перемена, а ее причина. Франшиза повернулась на восток: четвертый фильм получил статус копродукции с КНР, и его сценарий корректировался под требования китайской цензуры. Сегодня, когда Китай спокойно лидирует в мировом прокате вовсе без голливудского кино, такой прецедент кажется забавным артефактом недавнего, но далекого прошлого.

Самая эффектная трансформация — «Бамблби», 2018

Скажем честно, метаморфозы машин и военной техники перестали удивлять уже с первого фильма, и авторам продолжений пришлось развивать фантазию. В «Мести падших», например, показали десептикона, скрывающегося под видом сексапильной девицы (Изабель Лукас), которая (и небезуспешно!) пыталась соблазнить героя ЛаБафа. В «Темной стороне Луны» эпидемия превращений охватила уже бытовую технику. Тут было все — от кофеварки-убийцы до летающего по офисному опенспейсу монитора.

Но самая впечатляющая трансформация произошла с самой франшизой. Из мачистского боевика к 2018-му она переродилась в умильное ретро о девочке-подростке, тяжело переживающей смерть любимого папы и находящей утешение в бесконечной возне с машинами. «Бамблби», поставленный по сценарию Кристины Ходсон (написавшей также «Хищных птиц» и «Бэтгерл»), выглядит отличным развлечением для добродушных подростков и тех взрослых, кого ностальгия трогает больше взрывов.

Вердикт

По очкам номинаций побеждает первый фильм, задавший и тон для всей франшизы, и новую планку в развлекательном кино. А наш субъективный фаворит — «Эпоха истребления»; фильм, по которому особенно ярко видно, насколько Бэй на самом деле хороший режиссер. Снимая уже осточертевшую ему франшизу с невменяемым даже по меркам жанра сценарием, он устраивает настоящую визуальную феерию, бесперебойно удерживает зрительское внимание на протяжении рекордных 165 минут и будто бы сам влюбляется в свою же работу. В конце концов, это кино, в котором Оптимус Прайм седлает рободинозавра, а Майкл Уолберг находит минутку выпить пивка посреди тяжелой заварухи.

Прошло ли вообще время трансформеров? Если судить по разочарованным рецензиям американской прессы на «Восхождение звероботов», пожалуй, прошло. Хотя странного обаяния эта серия не растеряла и по сей день. Очарование это, конечно, сомнительное — мы же помним, откуда взялась эта эстетика правильных черт, спортивных тел, тяжелого машиностроения и грандиозных массовых сцен. Но что поделать, красиво же!

Автор текста: Павел Пугачёв
Источник: https://www.kinopoisk.ru/media/article/4007982/

Другие материалы:

Показать полностью 14
19

Комиксы по «Терминатору» — как они расширяют его вселенную

К комиксам по мотивам известных франшиз многие относятся с предубеждением, считая их попыткой вытрясти деньги из фанатов. Некоторые комиксы действительно только ради этого и создаются, но встречаются истории, развивающие и обогащающие вселенные фильмов, на которых основаны. К таким относятся комиксы по «Терминатору».

В оригинале комиксы «Выжженная земля» и «Буря» вышли в 1990 году, за год до того, как Джеймс Кэмерон вернулся во вселенную «Терминатора» в «Судном дне». Тогда ни сценаристы, ни художники, ни редакторы даже не подозревали, что Кэмерон вообще планирует снимать сиквел, поэтому относились к комиксам как к единственному возможному продолжению, которое когда-либо получит «Терминатор».

Отталкиваясь от идей первого фильма, авторы придумывали собственные варианты развития сюжета и в чем-то предугадывали мысли Кэмерона, а в чем-то кардинально с ним расходились. У «Выжженной земли» и «Бури» есть несколько характерных особенностей.

Комикс «Терминатор. Буря. Одним выстрелом»

  • В финале «Терминатора» ничего не закончилось. Хотя в начале фильма бойцы Сопротивления готовились к решающей битве со «Скайнет», а Кайл Риз и Сара Коннор в финале расправились с посланным в прошлое Т-800, борьба с машинами продолжилась, причем как в будущем, так и в прошлом.

  • Т-800 не главный герой. Ни «Выжженная земля», ни «Буря» не возвращаются к роботу с лицом Арнольда Шварценеггера. Для сценаристов обоих комиксов Т-800 — лишь один из множества терминаторов, и недостатка в других моделях у «Скайнет» нет.

  • Сара Коннор также не играет роли. Никто из сценаристов не предугадал, что в «Судном дне» Сара Коннор превратится в одержимого боевика, чья борьба со «Скайнет» так и не закончилась в 1984 году. Справедливости ради события «Выжженной земли» разворачиваются в далеком будущем, до которого Сара могла и не дожить, а бойцы из «Бури» не получали задания связаться с матерью Джона Коннора.

  • Люди — расходный материал. Сценаристы безжалостны к своим персонажам. Что в «Выжженной земле», что в «Буре» повествование строится вокруг конкретных отрядов солдат, и процент смертности среди бойцов в обоих случаях просто зашкаливающий. Авторы не жалеют никого.

«Выжженная земля»: кошмарное будущее терминаторов

Комикс «Терминатор. Выжженная земля»

В начале 1990 года издательство NOW Comics потеряло права на комиксы о «Терминаторе». По текущему контракту оставалось выпустить всего несколько номеров, поэтому редактор попросил сценариста Рона Фортье сочинить историю о решающей битве между Сопротивлением и «Скайнет».

События «Выжженной земли» полностью разворачиваются в будущем. «Скайнет» почти достиг своей цели: из всего человечества уцелело жалкие 3%. «Скайнет» решает окончательно избавиться от последних остатков Сопротивления, нанеся серию ядерных ударов по Северному полушарию. Отряд бойцов Сопротивления под командованием Джона Коннора пытается помешать планам машин, отправившись на штурм комплекса на Громовой горе — места, где, по слухам, укрыт центральный процессор «Скайнет».

Для сценариста Рона Фортье «Терминатор» всегда был в первую очередь историей о войне, где вместо террористов хорошие парни боролись против роботов. Поэтому в центре его внимания — бойцы одного конкретного отряда Сопротивления; усталые и измученные люди, повидавшие куда больше смертей, чем способна вынести здоровая психика. Они постоянно в движении и постоянно в борьбе, забыли когда в последний раз нормально отдыхали или крепко спали, и все же они продолжают бороться даже после того, как угасла надежда и иссякли последние силы.

Комикс «Терминатор. Выжженная земля»

«Выжженная земля» — это очень жестокая история, и половина персонажей отправляется на тот свет быстрее, чем читатель успевает запомнить их имена. Героизм здесь соседствует с невероятной глупостью, а несокрушимая воля соперничает со смертельной усталостью. И в то же время здесь есть место оптимизму, а воля, глупость и героизм способны принести победу.

«Выжженная земля» любопытна еще и тем, что стала дебютной работой тогда еще двадцатилетнего художника Алекса Росса. Со временем Росс будет одним из самых известных художников в индустрии и нарисует такие знаковые работы, как «Чудеса», «Царство небесное» и «Астро Сити», но в «Терминаторе» он еще только начинает развивать свой фирменный фотореалистичный стиль. Однако уже в «Выжженной земле» находится место для оригинальных решений: если обычно художники работают на белой бумаге, то Росс в соответствии с мрачной стилистикой серии рисовал на черных листах плотного картона, добавляя белые краски на освещенные места панелей.

«Выжженная земля» не идеальный комикс. Фортье не до конца развивает придуманные им же сюжетные линии, например вся история с терминатором Авророй ограничивается одной запоминающейся сценой, а Россу явно не хватает опыта, из-за чего его рисунок теряет в деталях, и лица персонажей расплываются в неразличимое пятно. Однако это интересное и крайне оригинальное развитие сюжета фильма, использующее постапокалиптический сеттинг будущего куда интересней, чем «Да придет Спаситель».

«Буря»: люди и терминаторы меняются ролями

Комикс «Терминатор. Буря»

В 1990 году лицензия на выпуск комиксов о «Терминаторе» перешла от NOW Comics к издательству Dark Horse, которое к тому моменту произвело настоящий фурор, выпустив комиксы-продолжения «Чужого» и «Хищника» и намеревалось добиться аналогичного успеха с «Терминатором». Издатель Майк Ричардсон предложил должность сценариста молодому автору Джону Аркуди. Аркуди к тому времени уже успел поработать над «Конаном», «Робокопом» и «Хищником» и придумал для Dark Horse персонажа, который станет известен как Маска (да, тот самый из одноименного фильма с Джимом Керри). Разумеется, Аркуди с энтузиазмом ухватился за предложенную возможность.

События «Бури» начинаются спустя шесть месяцев после того, как Джон Коннор отправил в прошлое Кайла Риза и уничтожил главный центр «Скайнет», но война и не думает завершаться. В ходе рейда на очередной объект «Скайнет» бойцы Сопротивления под руководством полковника Мэри Рэндалл захватывают еще одну камеру перемещения во времени, куда мощнее предыдущей. На этот раз Коннор отправляет в прошлое целый отряд, чтобы уничтожить ключевых людей в руководстве компании «Сайбердайн Системз». Однако следом за сопротивленцами в 1984 год попадают и четверо терминаторов. Их задача — защитить потенциальные цели и гарантировать зарождение «Скайнет».

Комикс «Терминатор. Буря»

Несмотря на типичный для начала девяностых переизбыток текста в облачках, «Буря» — очень динамичный комикс, в котором много экшена, ярких сцен и харизматичных персонажей, которые снова, впрочем, регулярно погибают, прежде чем успевают раскрыться на полную.

«Буря» особенно интересна в сравнении с вышедшим через год «Судным днем». Аркуди предвосхищает некоторые сюжетные ходы Кэмерона: он приходит к выводу, что останки уничтоженного в финале первого фильма «Терминатора» неизбежно лягут в основу исследований, способных привести к изобретению «Скайнет». И как и Сара Коннор в «Судном дне», Рэндалл и ее бойцы собираются устранить ведущих инженеров компании.

Так и получается, что люди и роботы меняются ролями: Сопротивление отправляет в прошлое команду бойцов, чтобы уничтожить нескольких представителей своей расы, а «Скайнет» — отряд роботов, чтобы их защитить. Ну, хотя бы на первое время.

«Одним выстрелом»: нужно больше терминаторов!

Комикс «Терминатор. Одним выстрелом»

«Одним выстрелом» — одиночный комикс, опубликованный в одном томе с «Бурей». Сюжет разворачивается в 1984 году параллельно с первым фильмом и исходит из предположения, что в прошлое отправился не один терминатор, а двое.

«Одним выстрелом» интересен в первую очередь именно со сценарной точки зрения. Всего на пятидесяти страницах сценарист Джеймс Робинсон предлагает множество интересных сюжетных решений.

  • А что если бы в 1984 году в прошлое отправилось больше терминаторов?

  • А что если не все Сары Коннор были невинными овечками и как минимум одна из них — хладнокровная убийца, планирующая избавиться от собственного мужа?

  • А что если Джон Коннор тоже решил перестраховаться и отправить несколько бойцов в еще более далекое прошлое на случай, если «Скайнет» решит расправиться с Сарой раньше 1984 года?

У комикса очень необычный герой и динамичный сюжет, а уровень жестокости, пожалуй, самый высокий среди всех трех упомянутых выпусков. На этот раз жертвами становятся не подготовленные бойцы Сопротивления, а полицейские и случайные прохожие, оказавшиеся между терминатором и его жертвой.

Комикс «Терминатор. Одним выстрелом»

Минус у «Одним выстрелом» всего один — совершенно вырвиглазный рисунок. Мэтту Вагнеру хорошо покоряется динамика, он неплохо передает цвета, но люди… Все без исключения персонажи нарисованы словно бесконечный парад уродцев, которые еще долго будут являться читателям в кошмарных снах.

Вселенная «Терминатора» продолжила развитие на страницах комиксов и после выхода второго фильма. На русском языке так официально и не вышли лучшая история по вселенной — «Терминатор 2029» Зака Уидона — и ее продолжение «Терминатор 1984». Но два уже изданных сборника являют крайне интересный и оригинальный образец развития вселенной, созданный в тот момент, когда все думали, что франшиза ограничится одним фильмом.

Автор текста: Алексей Ионов
Источник: https://www.kinopoisk.ru/media/article/4007995/

Другие материалы:

Показать полностью 7
30

Инопланетянин — кто придумал этот термин в СССР

Современный читатель несколько подзабыл о писателе Александре Казанцеве. Однако в советские годы он считался невероятно популярным автором, специализировавшимся на научной фантастике. Но помимо литературных достижений, он также известен как первый уфолог в СССР.

Александр Казанцев

Биография

Александр Петрович Казанцев родился в 1906 году в Акмолинске (ныне Астана). Первоначально он планировал сделать карьеру в области точных наук и стал инженером. Он был успешным шахматистом. Однако позже он понял, что он больше поэт, чем физик, и с головой погрузился в литературное творчество. Его дебют состоялся в возрасте тридцати лет, когда написанный им сценарий научно-фантастического фильма "Аренида" был хорошо принят критиками и получил почетную награду на Международном конкурсе. Позже сценарий послужил основой для полноценного романа под названием "Пламенный остров". Сюжет романа разворачивается вокруг катастрофы: кислород постепенно истощается по всему миру, заставляя людей выживать в меняющемся мире.

В 1941 году инженер Казанцев ушел в армию и активно участвовал в прорыве блокады Ленинграда. Известно, что он разработал оригинальную самоходную танкетку, которая непосредственно участвовала в боях.

Тунгусский метеорит

После возвращения к гражданской жизни Александр Казанцев продолжил литературную деятельность в области научной фантастики и написал около 30 книг. Однако он занимался не только литературой, но и осваивал некоторые неакадемические области исследований. Он верил во внеземную жизнь и многие исторические загадки и парадоксы объяснял скрытым присутствием инопланетян на нашей планете. До нас дошли слова самого писателя:

"Тема инопланетян интересует меня не только как предмет фантазии, но и как основа для осмысления многочисленных странных предметов, явлений и происшествий".

В одном из своих рассказов он выдвинул версию, что Тунгусский метеорит на самом деле был внеземным космическим кораблем с атомным двигателем, который взорвался над тайгой в 1908 году. Казанцев даже указал место, откуда прилетел корабль — Венеру, но, по его словам, его построили марсиане. По словам Антона Первушина, автора публикации "Спецслужбы против НЛО", Казанцев неоднократно упоминал эту версию в своих работах.

Уфология

Несмотря на неправдоподобность версии Александра Казанцева, она нашла своих сторонников и пользовалась немалой популярностью. Участники некоторых экспедиций к месту падения метеорита, отправляясь в тайгу, искренне надеялись найти там обломки НЛО. Казанцев часто сравнивал последствия падения Тунгусского метеорита с техногенной ядерной катастрофой, проводя аналогии с пострадавшими от радиации японскими городами.

Казанцев был сторонником теории палеоконтакта, то есть он считал, что в древности человечество уже взаимодействовало с внеземными существами из других миров. Именно поэтому Казанцева называют пионером советской уфологии. Трудно переоценить его влияние на развитие этой псевдонаучной области. Примечателен сам факт, что слово "инопланетянин" было введено в русский язык именно Казанцевым.

Интересно, что власти никогда не вставляли палки в колёса Казанцеву в его неакадемических занятиях. Возможно, из-за просоветского характера его романов.

В середине 1950-х годов писатель вступил в Коммунистическую партию Советского Союза и оставался коммунистом до самой смерти в почтенном возрасте 96 лет.

Автор текста: Олег Логинов
Источник: https://www.rusday.com/articles_new/2023-06-21/12051/

Другие материалы:

Показать полностью 4
13

Вышел тизер сериала «Задача трех тел» — адаптации романа Лю Цысиня от шоураннеров «Игры престолов»

Стриминговый сервис Netflix готовится выпустить новый проект — адаптацию научно-фантастического романа писателя, считающегося лицом китайской фантастики.

Вышел тизер сериала «Задача трех тел» — адаптации романа Лю Цысиня от шоураннеров «Игры престолов»

Сериал «Задача трех тел» основан на одноименном научно-фантастическом романе Лю Цысиня — китайского писателя-фантаста и лауреата нескольких литературных премий «Хьюго», «Небьюла», «Галактика». «Задача трех тел» является частью эпической трилогии «Воспоминания о прошлом Земли», в нее также входят романы «Таинственный лес» и «Вечная жизнь смерти». Все книги переведены на русский язык.

По сюжету, в те времена, когда Китай переживал последствия жестокой «культурной революции», на одном из секретных военных проектов в космос были посланы сигналы, чтобы установить контакт с инопланетным разумом. Один из сигналов подхватила цивилизация Трисолярис, находящаяся на краю гибели, и через 400 лет трисоляриане готовятся вторгнуться на Землю. Узнав об этом, люди разделились на тех, кто готов отдать мир под управление высшего разума, и тех, кто до последнего будет бороться против этого вторжения.

Сериал «Задача трех тел» снял гонконгский кинорежиссер Дерек Цан — автор ленты «Лучшие дни», которая была номинирована на «Оскар» в 2019 году как лучший фильм на иностранном языке. Продюсерами выступили Дэвид Бениофф и Д. Б. Вайс — тандем, наиболее известный своей работой над «Игрой престолов». Роли в проекте исполнили Бенедикт Вонг («Доктор Стрэндж: В мультивселенной безумия»), Цай Чинь («Легенда десяти колец»), Джон Брэдли, Лиам Каннингэм («Игра престолов») и другие.

Сериал «Задача трех тел» выйдет на стриминговом сервисе Netflix в январе 2024 года.

Автор текста: Дарья Гладких

Другие материалы:

Показать полностью 1
45

Сверхъестественный ужас — в «Смешариках»: Лавкрафт, Лем, Карпентер, Стивенсон

Ужас и «Смешарики» не так далеки друг от друга, как может показаться. Мультсериал, за счет начитанности своих создателей, невероятно интертекстуален, так что нет ничего удивительного, что сценаристы раскидали по эпизодам невидимые детям, но заметные взрослым отсылки к классике хоррора. Как поменялось мировоззрение смешариков с изобретением пинолёта и выходом в открытый космос? И что нового предложили сценаристы, взявшиеся за спин-офф легендарного мультсериала?

Сначала стоит разобраться в предпосылках тех проблем, которые затронуты в «Смешарики. Пин-Код» (2012-2018). Корни произрастают со времен оригинального сериала (2003-2012), а вернее из серии под названием «Не может быть». Сюжет эпизода отсылает к произведению Г. Ф. Лавкрафта «Цвет из иных миров». Именно в этом мультфильме сценаристом Светланой Мардаголимовой заложен пример дальнейшей работы с сюжетами мастера ужасов и его философией в формате детского мультсериала о дальнейших путешествиях смешариков в космосе. Основной принцип этой работы заключается в следующем: мир круглых зверей противопоставлен миру Лавкрафта.

В серии «Не может быть» иной мир посылает Лосяшу (ученому) нечто прекрасное. Можно сказать, почти божественное. Герой пытается изучить растение, появившееся на месте упавшего метеорита. Но оно будто противится воле ученого, что выражается в постоянном увеличении собственных размеров в то время, когда Лосяш собирается измерить высоту растения. Уместно будет заявить, что с позицией Лавкрафта о бессилии современной науки, столкнись она с чем-то необъяснимым, сценаристы «Смешариков» согласны. В серии также присутствует один из частых архетипов прозы Говарда Филлипса – деревенский житель. В данном контексте – это Копатыч. Он, будучи суеверным и педантичным в вопросах земной ботаники, окрестил растение из иного мира сорняком, даже не пытаясь в этом разобраться.

Копатыч: - Сорняк, самый настоящий сорняк!

Лосяш: - Нет, вы не поняли, аграрный вы мой. Я хочу знать, как именно это называется.

Копатыч: - А никак не называется! Сорняк – он и есть сорняк!

Однако если у Лавкрафта такие, как Копатыч, оказываются правы, то у «Смешариков» это не так. Поддавшись порыву безумия, Лосяш уничтожил растение. Он оказался не способным принять ненаучность в попытках описать и классифицировать «пришельца» из иных миров. Но всё же в финале серии ученый осознаёт чудесное воздействие, которое оказал необычный цветок. Таким образом мы видим, что явление человеку чего-то за гранью понимания сближает его с гармонией, с природой и самим собой. Данный тезис подтверждается финальной сценой, когда Лосяш сидит на холме с магнитофоном, проигрывающим пение необычного растения, а на музыку слетаются бабочки-нимфалиды.

Теперь поговорим непосредственно о «Пин-Коде». Данный проект много времени уделяет теме человека в космосе даже там, где это не столь заметно для зрителя. Например, в серии «Энцилад. Вода и жизнь» вышеуказанная тема хорошо считывается, поскольку герои пытаются обнаружить внеземную жизнь на спутнике Сатурна. Эпизод, кстати, заигрывает с основными приемами Лавкрафта из знаменитого «Зова Ктулху» или «Дагона»: огромный океан, переплетение реальности со сном и гигантское подводное чудовище.

Или в серии «Да будет свет!», которая представляет собой юмористический взгляд на главный страх человека, со слов Говарда Филлипса, – страх неизведанного. Создатели применяют методику автора в написании ужасов (звуки, шорохи, нагнетание и воображение) и ловко оборачивают их в комедию. При этом сценарист Дмитрий Яковенко (вероятно, незаметно и для себя, и для зрителя) смог соблюсти еще одно условие в написании ужасов Лавкрафта: исследования ученого (Лосяша) стали причиной возможной опасности для смешариков на борту пинолёта, лишенного электроэнергии и, следовательно, света. Как происходило, например, в рассказе «Герберт Уэст – воскреситель мертвых», где эксперименты Уэста стали отправной точкой многих бед.

Помимо мягкого копирования отличительных черт прозы мастера космического ужаса авторы оказались способны принять эстафету Говарда Филлипса в плане той философии, которую он закладывал в свои произведения. К примеру, серия «Домино и бабочки», сюжет которой не слишком уж похож на лавкрафтовский, но очень близок по духу к текстам автора. Пин, Кар-Карыч и Лосяш терпят крушение на неизвестной планете, где находят разрушенный инопланетный город. Лосяшу противопоставлен Кар-Карыч, персонаж, который берет на себя две основные функции: олицетворение невозмутимых законов бытия (в данном случае – эффекта домино) и социума, в котором находится Лосяш, который пытается исследовать остатки внеземной цивилизации ценой собственной жизни, так как в атмосфере много радиации. Однако Кар-Карыч останавливает Лосяша. На протяжении всей серии ворон пытается убедить ученого лося в непоколебимости эффекта домино. В финале Кар-Карычу это удается, и Лосяш, даже несмотря на путешествие в прошлое через черную дыру, смиряется с судьбой. Тем самым сценаристы возможно неосознанно, но соглашаются с одним из постулатов космизма: человечество обречено жить в рамках собственной ограниченной сути.

Продолжает тему исследования фатализма эпизод под названием «Лучший из миров». По сюжету Пин в целях эксперимента совершает полет в космос на новом топливе, но вынужден аварийно сесть на неизвестной планете, которая способна воплощать желания. Как видим, сценаристы вновь обратились к классике (в контексте данной серии) научной фантастики — «Солярису» Станислава Лема. Перед полетом Лосяш уговаривает Пина заглянуть в будущее при помощи шароскопа (устройства из будущего, которое Пину передала Игогоша из 3014-го), чтобы не подвергать себя напрасному риску. Однако герой, руководствуясь самонадеянностью, улетел, не думая о других смешариках и о том, как им может быть больно, если он потерпит неудачу. Он скучает по дому, и планета «переносит» Ромашковую долину к герою. От понимания, что все вокруг нереально, Пину становится еще больнее. Поэтому герой смиряется с судьбой и заглядывает в шароскоп. В эпизоде, когда Пин разговаривает с ненастоящими смешариками, он все же называет планету «доброй», даже несмотря на ту боль, которую она ему причинила. Пожалуй, в этой небольшой детали и заключается главный принцип борьбы «Смешариков» с космизмом. В произведениях Лавкрафта или того же Лема герои предались бы упадку и безумию, окажись они на месте Пина. Но пингвин смог зацепиться за толику хорошего, будучи в неродной Ромашковой долине, что в итоге помогло не сдаться и вернуться домой. Тем самым Пин смог измениться и научился думать о других, потому как близким не важен твой успех или неудача. Им дорог именно ты.

Развивает тему об инопланетном разуме и его столкновении с человеком эпизод под названием «Кремень». Смешарики оказываются на неизвестной планете, населенной «жизнью» на кремниевой основе. Несмотря на нейтральный эмоциональный окрас в целом, сюжет способен припугнуть. Помогают в этом и визуальные приемы, когда камни вырастают до исполинских размеров, а камера отъезжает и поднимается, что делает Кар-Карыча и пинолёт меньше камней. Стоит отметить любопытное сходство с манерой написания сюжетов Лавкрафта: главные герои, как правило, чувствительные натуры. Но тогда как у Говарда Филлипса данная особенность характера отнюдь не играет персонажам на руку, то в мире «Смешариков» она помогает героям преодолеть конфликт. Маленький кусочек кремния, что Карыч подобрал на поверхности планеты, оказывается «ребенком» для тех огромных камней, которые не давали смешарикам улететь. Таким образом, чувства ставятся выше сухого разума. При этом серия приближена к канонам философии Лавкрафта, но «переворачивает» их. Да, инопланетная жизнь представлена так, что человеческому разуму трудно ее воспринять, но даже она не лишена чувств, которые присущи людям. В данном случае — родительской заботы.

Под личиной ужастика в «Пин-Коде» может таиться также и творческое высказывание. Эпизод «Нечто», название которого очевидным образом отсылает к культовой картине Джона Карпентера 1982 года, использует отличительные приемы жанра хоррор. Сюжетная линия Ёжика снята в намеренно приглушенной цветовой палитре. В финале серии герои делают отсылки на другие знаковые картины научной фантастики: «Чужой» и «Марсианин». Тем самым уже знакомый нам сценарист Дмитрий Яковенко и режиссер Александра Аверьянова говорят, что жанр ужасов обмельчал, а новые фильмы следуют классическим лекалам. Это подтверждается манерой речи и выражением лица Бараша, когда он рассказывает Ёжику о возможном исходе поднятия на борт куска льда с еще не известным существом внутри. А слово «классический» часто употребляется в диалогах между героями. Авторы призывают экспериментировать и создавать что-то новое, и не важно, что это: литературное произведение или сценарий.

К очередной классике сценаристы обратились в серии «Свет и тьма», сюжет которой напоминает повесть Р. Л. Стивенсона «Странная история доктора Джекила и мистера Хайда». Предаваясь гамлетовским размышлениям о добре и зле, Пин собирает устройство, которое увеличило расстояние между электронами атома, и становится трикстером: примеряет на себя роли добряка и негодяя. Как и доктор Джекил, Пин смакует те пакости, которые творил, будучи невидимым. Авторы подтверждают идею Стивенсона: зло кроется в любом, даже в таком добропорядочном смешарике, как Пин. Примечательно, что другие смешарики не могут поверить, что все проказы на пинолёте творил именно он, даже после любопытного объяснения принципа работы устройства, которое делало Пина невидимым. Здесь же поднимается еще одна проблема: низкий уровень интеллекта коллективного разума. Смешарики не способны подвергнуть сомнениям собственные умозаключения о том, что порядочность у Пина на генетическом уровне. Об убийстве, конечно, не может идти речи в «Пин-Коде», но финал серии чем-то схож с концовкой повести Стивенсона: Пин в порыве гнева снова встает на темную сторону в попытке доказать смешарикам, что может быть плохим. Так же и доктор Джекил вновь выпивает микстуру и становится Эдвардом Хайдом, завершив свою арку грехопадения.

Возвращаясь к космизму и Лавкрафту, нельзя не упомянуть целую трилогию серий «Собратья по разуму». Скучающий ученый (Лосяш) решает найти иную форму жизни в параллельных мирах и попадает в мир огромных растений. Местный разум — гиперболизация земной флоры и фауны. Обнаружив мыслящее существо, Лосяш решает остаться в параллельном мире. Однако Копатыч рассказывает другу, что некоторые растения могут привлекать насекомых для переноса своей пыльцы. Лосяш подумал, что, вероятно, то существо не обладало разумом наподобие человеческого, а всего лишь следовало инстинктам. Ведущая тема трех мультфильмов – космическое одиночество. В свою очередь главной проблемой такого одиночества является человеческая ограниченность. Человек слишком мал для вселенной, что подчеркивают размер растений в параллельном мире и разговоры героев во сне (Крош борется с «кактусом», Совунья думает о приготовлении блюд). Если главный герой – Лосяш, который представляет собой архетип уставшего от собственной мелочности ученого, то другие смешарики олицетворяют общество, которое намеренно «приземляет» человека. Это выражается в отношении смешариков к Лосяшу, когда тот решает их оставить и отправиться изучать параллельный мир. Они словно стали на него охотиться, как на дикое животное (не будем брать в расчет то, что главные герои и есть животные, но «очеловеченные»). Но герой все же осознаёт в финале третьей части свою незначительность: «…Может, он окажется настолько иным, что это не будет укладываться в наше понимание». Провозглашается один из основных постулатов космизма — ничтожность человечества в масштабах вселенной, — который не раз препарировал Лавкрафт в своих сочинениях.

Завершить данное исследование хотелось бы, пожалуй, самой близкой к литературе мастера ужасов серией «То, что нельзя объяснить». Бараш – протагонист данной серии – натура скучающая и уставшая от повседневности и заурядности окружающего мира. В этой черте Бараш схож с Лавкрафтом, однако там, где протагонист жаждет встречи с чудом, сам Говард Филлипс чудес боялся. Лосяш в этой серии – герой, представляющий собой силы антагонизма: тот тип ученых, против которых выступал Лавкрафт, ведь их закоренелая педантичность буквально выводила автора из себя. Бараш в попытке встретиться с чудом решает уменьшить шаролёт и в итоге сам уменьшается настолько сильно, что оказывается в квантовом мире, где ему удается лицезреть загадочных кварков. «Там было так необычно и прекрасно… Похоже, я не смогу этого описать. И это тоже прекрасно!» - фраза, которую произнес Бараш в финале серии, выражая протест против убеждений космизма и Говарда Филлипса в частности. По мировоззрению смешариков мир – это не заброшенный старый замок с крысами в стенах, а прекрасный белокаменный дворец, который способен восхитить и в то же время удивить своей красотой и гармонией. В свою очередь то, что представляют собой кварки (по мнению авторов серии) и устройство мироздания (кварк – это маленькая галактика, поскольку атом имеет схожее строение с галактикой, как и сама наша Солнечная система), подтверждают данный тезис о сходстве между этими двумя моментами.

Итак, мы пришли к тому, что, несмотря на встречающийся в некоторых эпизодах «Пин-Кода» фатализм и обреченность человечества на космическое одиночество, смешарики остались верны своим убеждениям, а новые сценаристы смогли предложить свежие идеи и противостоять пессимистичной грани философии космизма и Говарда Лавкрафта в частности.

Автор текста: Михаил Русаков
Источник: https://darkermagazine.ru/page/sverhestestvennyj-uzhas-v-sme...

Другие материалы:

Показать полностью 8
12

Чебурашка 2: Возвращение зверя — о возможных продолжениях нашумевшего блокбастера

Криминальный боевик с Чебурашкой-милиционером, семейная чебураш-сага в африканских декорациях и байопик про старуху Шапокляк в духе «Джокера»: недавний кинохит «Чебурашка» имел мало отношения к своему литературному первоисточнику, и все его грядущие сиквелы наверняка будут такими же, поэтому Глеб Колондо решил поделиться с деятелями киноискусства несколькими свежими идеями, основанными на аутентичном творчестве Эдуарда Успенского, сюжетный потенциал которого не стоит недооценивать.

Криминальный боевик

Во второй половине 1990-х Успенский публикует книгу «Крокодил Гена — лейтенант милиции» (также издавалась под названием «Крокодил Гена и грабители»). В первой ее главе зеленый герой обнаруживает в почтовом ящике повестку, гласящую:

«Двадцать второго июня ровно в четыре часа, а точнее, в четверг в восемь часов ноль-ноль утра, Вам следует явиться в районный райвоенкомат.

При себе следует иметь паспорт, рюкзак, смену белья, двухдневный запас еды в виде сухарей и кружку сбоку».

Несмотря на то что Гена не россиянин, а африканец и провел большую часть жизни в тюрьме (то есть в зоопарке), этот призыв вызывает у него подъем патриотических чувств. Нахлынувшими эмоциями он спешит поделиться с товарищем:

«— Чебурашка, знаешь, какая у меня радость! Меня в армию берут.

— Ой, — сказал Чебурашка, — а я? Гена, возьми меня с собой.

— В армию с Чебурашками не ходят, — сказал Гена. — Ты будешь писать мне письма.

И Гена начал сушить сухари».

Армейские будни начинаются с небольшого конфуза — начальство удивляется, что и крокодилы теперь тоже должны идти в армию. Гена переживает, что может быть признан негодным, но его успокаивают: «Ничего, у нас и не такие служат».

Служба, как пишет Успенский, дается крокодилу легко: вскоре он «овладел приемами самообороны и научился строить дачи». Чебурашка получает письмо, в котором командование выражает ему благодарность за «правильно воспитанного военнослужащего» и приглашает в гости в часть, где ему дают пострелять из ракетницы и угощают солдатским обедом.

Демобилизовавшись, Гена отказывается возвращаться в зоопарк, потому что он «теперь уже не тот» — мечтает начать новую жизнь и «стать крупным юристом». Но не все сразу: сперва крокодилу надо подкопить деньжат, поэтому он устраивается сторожем на склад шоколадной фабрики.

После того как жулики, усыпив Гену специальным газом, похищают шоколад, он попадает под подозрение и некоторое время проводит за решеткой, уже не зоопарковой. Освободиться помогают связи: маршал Бутаков, с которым Гена подружился во время службы, ручается за крокодила, уверяя, что тот мог бы украсть шоколад у противника, но у наших — ни за что. Интересно, что в версии книги 1998 года маршал на иллюстрациях изображен в виде человека, а в издании 2002 года — в виде тигра.

Иллюстрация из книги «Крокодил Гена и грабители» (М.: АСТ, 2002)

Убедившись, что Гена свой человек — то есть крокодил, — милиционеры приглашают его к себе на работу, а заодно с ним и Чебурашку. Маленький зверек переживает и жалуется другу:

«Тебе хорошо <...> Тебе все подойдет: и сапоги, и фуражка... А мне? Интересно, а бывают милицейские панамки и тапочки?»

Но настоящие герои могут бороться со злом и без тапочек. Под руководством полковника Дубенко и майора Поддубенко начинающие стражи порядка выводят на чистую воду преступника Ивана Жука по кличке Таракан и всю его шайку. Таким образом, мы имеем захватывающую историю с погонями и детективной линией — в общем, всем, что полагается. Хоть сейчас бери и делай из нее что-то среднее между «Зверополисом» и «Улицей разбитых фонарей».

Психологический триллер

Повесть «Похищение Чебурашки» (1999) начинается на первый взгляд довольно мирно, как и многие страшные истории. Ушастый герой решает улучшить свои жилищные условия и просит московское начальство в лице тогдашнего мэра столицы Юрия Лужкова переселить его из телефонной будки в отдельную квартиру.

Мэрия направляет в телефонную будку комиссию — тучного чиновника по фамилии Жулиманов. Тот пытается что-нибудь придумать, чтобы квартиру давать не пришлось: бесплатного жилья на всех не хватает. Например, надстроить будку вторым этажом («у вас сразу удвоится площадь») или положить ее на бок («ваша жилая площадь сразу утроится»).

Чебурашка не согласен на редизайн будки в духе Бэнкси, поэтому когда через месяц квартиру ему так и не дают, по предложению Гены устраивает вместе с друзьями пикет у входа в мэрию. Испугавшись протестующих (главным образом жирафы Анюты, которая просунула голову прямо в окошко его кабинета), Лужков распоряжается выделить нашему герою жилплощадь в новом районе.

И вот долгожданное новоселье. Не сговариваясь, почти все гости дарят Чебурашке телевизоры: их набирается целых пять штук. Добросовестный Чебурашка расставляет ящики по дому и старается уделять внимание каждому из них. Работа игрушкой в детсаду занимает большую часть дня, поэтому сидеть у экрана приходится рано утром или поздно вечером, когда показывают сериалы о преступниках и фильмы ужасов.

Вскоре незакаленная массовой культурой психика дает сбой — начинаются слуховые и зрительные галлюцинации:

«Полезет чебурашка в холодильник — там представитель белой мафии сидит. Весь он в инее, во рту у него пельмень, из пистолета сосулька высовывается.

Чебурашка снова кричит:

— Ой, спасите! В холодильнике дядька голодный!

Заберется Чебурашка на антресоли лыжи доставать, а там милиционер в засаде спрятался <...> Он Чебурашке показывает:

— Тс-с-с! (Молчи, мол!)

И Чебурашка целый день потом боится рот раскрыть. Все помалкивает».

Под письменным столом у Чебурашки идет подпольная торговля ворованными телогрейками, в шкафу притаился кровожадный пират, а из унитаза вылетают привидения.

Иллюстрация из книги «Похищение Чебурашки» (М.: Росмэн, 1999)

Узнав о происходящем, Гена обещает разыскать экстрасенса, но вместо этого приводит доктора, который выписывает больному сильное успокоительное. Приняв лекарство, Чебурашка засыпает на сутки, а крокодил за это время избавляется от всех телевизоров.

Лечение помогает, но лишь отчасти: видений стало меньше, но они не исчезли совсем, а сверх того добавились страх темноты, агорафобия и энурез. Чебурашку кладут в больницу, где он знакомится с другими маленькими пациентами: Колей Чуркиным, который проводит дни, уткнувшись в стену, потому что видит там мультики про зеленую мышку; Мишей Кувалдиным, который ищет кого-то, кто согласился бы спрыгнуть с десятого этажа, чтобы испытать изобретенные им «прыгательные» таблетки; и Валей Постниковым (кстати, тезка реально существующего детского писателя Валентина Постникова), который все время лежит под кроватью, скрываясь от бандитов, комаров и летающих кастрюль.

В этой, казалось бы, совершенно нездоровой обстановке Чебурашка окончательно излечивается. Но главный врач Стороженко отказывается его выписывать, потому что, благодаря соседству с тем, кому подает лапу каждая дворняжка, больные гораздо быстрее идут на поправку. Доктор мечтает:

«Нам бы сто тысяч таких Чебурашек, и мы бы вылечили всю страну. Мы бы выписывали Чебурашек по рецептам и их выдавали бы нервным детям в аптеках. А я бы стал академиком».

Здесь перед Чебурашкой встает сложный моральный вопрос: следует ли ему посвятить себя борьбе с чужими неврозами и расстройствами, раз у него так здорово это получается, или он все-таки может продолжать жить как прежде? Точнее, такой вопрос должен бы возникнуть, но не возникает — Успенский не позволяет герою осмыслить происходящее и резко уводит сюжет в сторону судебной драмы. Юристы спорят, кто прав: доктор Стороженко, удерживавший пациента силой, или же похитивший его из больницы крокодил Гена.

В результате хэппи-энд — судья обязывает главврача отпустить Чебурашку домой — оказывается мнимым. Безусловно, юридически все верно, а Стороженко — действительно гадкий тип, думающий прежде всего о своей карьере. Но, с другой стороны, разве не помощь ближним всегда была основной миссией Гены и Чебурашки? Это же они строили дом для тех, кто ищет друзей, очищали реку от сточных вод, перевоспитывали браконьеров, а в случае необходимости даже приходили на выручку сугубо отрицательной старухе Шапокляк.

Почему же теперь они так легко оставляют больных детей на попечение вредного медика? Неужели Чебурашка сможет спокойно спать, зная, что где-то там Валя ведет подкроватный образ жизни, Коля не отлипает от стены, а Миша может в один прекрасный день взять и спрыгнуть с десятого этажа?

Режиссеры, кто-нибудь, пожалуйста, поставьте фильм по этой книге, но переделайте финал так, чтобы все было хорошо не только у главных героев, но и у юных пациентов с ментальными заболеваниями.

Сериал про семью

Если кто-нибудь однажды захочет снять про Чебурашку сериал с потенциально бесконечным числом эпизодов, за основу смело можно брать повесть «Деревня чебурашей» 2011 года. Есть подозрение, что Успенский, работая над ней, немного вдохновлялся романом Маркеса «Сто лет одиночества»: перед нами разворачивается история нескольких поколений семьи, ведущей племенной образ жизни. Ее героев из-за непривычных и довольно громоздких имен не всегда легко отличить друг от друга, причем некоторые из них к началу действия уже скончались, а другие еще не родились. В общем, это настоящая фэмили-сага, только вместо Латинской Америки дело происходит в Африке.

Словно Хосе Аркадио Буэндиа, который постоянно менял род деятельности, становясь то золотоискателем, то астрономом, то алхимиком, чебураши так же легко переключаются с одного диковинного занятия на другое. Особенно отличается отец семейства Чебур-Бозо по имени Тигр, Находящийся в Прыжке, которому однажды вздумалось выкачать при помощи шприца белок из куриных яиц и залить его в страусиные, а белок из страусиных — в куриные, и посмотреть, что из этого выйдет.

Пока взрослые заняты собой, дети изучают историю чебурашей и выясняют, что много лет назад это была величайшая цивилизация в мире, у которой были и фараоны, и космическая программа. И даже, судя по иллюстрациям, свой чебурашный Ленин.

Иллюстрация из книги «Деревня чебурашей» (М.: Планета детства, 2011)

Крокодил Гена и Чебурашка появляются в «Деревне чебурашей» эпизодически, в качестве гостей. Они с удовольствием осматривают недавно открывшийся в деревне музей имени себя и дарят ему несколько экспонатов. Под конец крокодилу предлагается испытание: с завязанными глазами отыскать среди всех местных чебурашей своего Чебурашку. Оказывается, это совсем не трудно:

«— А как вы его узнали? <...>

— Очень просто, — честно ответил Гена. — Он пнул меня ногой».

Точная экранизация

Необходимо учитывать, что оценки того, что Успенский писал после 1991 года, разнятся. Для одних его поздние сочинения — необычные артефакты, которые впитали в себя эпоху и дали героям возможность взбунтоваться против своей «детскости», вступив в фазу вечного переходного возраста, а для других — противоречащие классическому канону и попросту менее удачные тексты.

Но даже если мы решим ограничить исследуемую нами художественную вселенную самой первой книгой серии «Крокодил Гена и его друзья» (1966), то в нашем распоряжении окажется много всего интересного и далеко не всегда известного. Скажем прямо, многие помнят Гену с Чебурашкой не столько по книжке, сколько по кукольному мини-сериалу Романа Качанова, лишь один эпизод которого, «Крокодил Гена» (1969), можно назвать экранизацией, да и то не дословной, а для остальных серий — «Чебурашка» (1971), «Шапокляк» (1974) и «Чебурашка идет в школу» (1983) — Успенский с Качановым разработали самостоятельные сюжеты.

Таким образом, мир Гены и Чебурашки в его изначальном виде — во многом неисследованное пространство. Главным открытием для зрителя мультфильмов, добравшегося до их литературного первоисточника, оказывается сам образ Чебурашки. Автор отнюдь не предполагал, что он станет кавайным талисманом олимпийских игр, влюбляющим в себя с первого взгляда. Изначально это был пугающе несуразный крупный зверь с маленькими ушами, и пресловутое «неизвестный науке» звучало в отношении него угрожающе.

Дело не только в том, что для экранной версии над персонажами поколдовал художник Леонид Шварцман, в то время как первые издания иллюстрировали Валерий Алфеевский и Геннадий Калиновский, мастера с принципиально иной творческой манерой. Успенский и в тексте настаивает, что внешне Чебурашка — совсем не милое существо. Из «вступления, которое можно и не читать» выясняется, что прототипом героя стала странная безымянная игрушка, которая была у автора в далеком детстве:

«Глаза у него были большие и желтые, как у филина, голова круглая, заячья, а хвост коротенький и пушистый, такой, какой обычно бывает у маленьких медвежат.

Мои родители утверждали, что Чебурашка — это неизвестный науке зверь, который водится в жарких тропических лесах.

Сначала я очень боялся этого неизвестного науке Чебурашку и даже не хотел оставаться с ним в одной комнате. Но постепенно я привык к его страшной внешности, подружился с ним и стал любить его не меньше, чем резинового крокодила Гену и пластмассовую куклу Галю».

Галя, Гена и Чебурашка. Иллюстрация В. Алфеевского из книги «Крокодил Гена и его друзья» (М.: Детская литература, 1966)

Получается, что первоначально Чебурашка был скорее сородичем таких персонажей, как чудовище из «Аленького цветочка» или других подобных сюжетов — то есть тем, кого невозможно полюбить глазами, только сердцем. В связи с этим интересно проследить, насколько по-разному одни и те же сцены представлены в повести 1966-го и в мультфильме 1969 года.

У Качанова Чебурашке стоит только появиться, как он уже вызывает умиление и становится душой компании. Галя и Гена пытаются выяснить с помощью словаря, кто перед ними, но делают это скорее для порядка: когда Чебурашка предполагает, что из-за «неизвестности» с ним не станут дружить, его тут же горячо уверяют в обратном.

Книжные Галя с Геной тратят на идентификацию Чебурашки гораздо больше времени — видно, что их действительно интересует его видовая принадлежность. В какой-то момент они предполагают, что перед ними, возможно, хищник, и на всякий случай отодвигаются подальше, а на вопрос загадочного существа о возможной дружбе крокодил отвечает с осторожностью:

«Все зависит от вас. Если вы окажетесь хорошим товарищем, мы будем рады подружиться с вами».

То есть Успенский, с одной стороны, призывает не судить по одежке, а с другой, предупреждает, что никто не будет водиться с вами только за красивые глаза. При экранизации от этого посыла решили отказаться в пользу симпатичности персонажей, но отсюда не следует, что концепт страшного Чебурашки было в принципе невозможно реализовать. В советское время анимация порой предлагала зрителям и куда более жутких героев — вроде волшебников из «Халифа-аиста» (1981) или заглавного персонажа «Верлиоки» (1957).

Гена, Чебурашка и Галя. Иллюстрация Г. Калиновского из книги «Крокодил Гена и его друзья» (М.: Детская литература, 1977)

Конечно, все мы любим Чебурашку из мультфильма — он похож на котенка, а котята тоже всем нравятся, но зато книжный герой менее мягкотел и у него по-хорошему вздорный характер. Согласитесь, сложно представить, как кукольный Чебурашка кричит: «Ну погоди, несчастная Шапокляк! Я с тобой еще поквитаюсь!» или бьет вредную старуху палкой по носу, а книжному все это под силу.

Если бы в наши дни «Союзмультфильм» решился перезапустить генно-чебурашную франшизу, сделав упор на полное соответствие литературному первоисточнику — это был бы смелый и интересный с художественной точки зрения шаг, в духе недавно обнародованных намерений студии Warner Bros. перепридумать экранного «Гарри Поттера». Ну или пусть книжный и кукольный варианты встретятся друг с другом, как разные версии Питера Паркера в фильме «Человек-паук: Нет пути домой», — да мало ли и других вариантов.

Становление антагониста

Популярность фильмов вроде «Джокера» (2019) и «Круэллы» (2021) позволяет предположить, что и у нас мог бы появиться байопик, раскрывающий детали жизни популярного злодея. Речь, конечно, о Шапокляк, про которую мы знаем крайне мало даже по меркам условной сказочной реальности. Всегда ли она была такой злыдней? Почему идеи вроде строительства Дома дружбы вызывают у нее желание объявить всем войну? Напрямую ни книги, ни мультфильмы об этом не сообщают, но кое-какие подсказки в них все-таки есть.

В «Крокодиле Гене и его друзьях» Успенский при первом появлении Шапокляк описывает ее внешность довольно скупо: «В комнату проскользнула маленькая юркая старушка. Она вела на веревочке большую серую крысу», — может показаться, что они очень похожи друг на друга, если даже не одного размера. Однако Алфеевский, очевидно, отталкиваясь от хлесткого и часто звучащего в книге слова «старуха», наделил Шапокляк внешностью высокой неопрятной женщины с выпученными глазами и длинными седыми волосами.

Лариска и Шапокляк. Иллюстрация В. Алфеевского с обложки книги «Крокодил Гена и его друзья» (М.: Детская литература, 1966)

Поведение пожилой и вечно раздраженной маргиналки при всей его вредительской направленности кажется детским. Кошелек на веревочке, швыряние бумажками, обидные надписи на заборе — все эти безобразия дошкольного уровня наводят на мысль об инфантильности героини, невротически «застрявшей» где-то в прошлом. На прошлое указывает и ее шляпное прозвище — Шапокляк. В книжке «Отпуск крокодила Гены» (1993) Гена рассказывает Чебурашке историю одноименного мужского головного убора:

«У [этой шляпы] внутри пружина. Эту шапку придумали в старину, тогда, когда вместо карет люди начинали водить машины. Если человек ехал в машине, он делал свою шляпу плоской, потому что машины были невысокими. А если он ехал в карете, он превращал свою шляпу в высокий цилиндр».

Именно от шапокляка отталкивался Шварцман, создавая для мультфильмов Качанова кукольную старушку — пожилую даму, одетую со вкусом, но старомодно и как-то «не по-нашенски».

Успенский упоминает, что однажды на приеме у врача Шапокляк была польщена тем, что ее сочли гражданкой другого государства:

«— Вы, наверное, иностранка! — догадался доктор.

— Да! Да! — радостно закивала головой Шапокляк.

Ей было очень приятно, что ее приняли за иностранку».

В совокупности несложно заключить, что Шапокляк — явление антисоветское, чужеродное, но при этом задавленное (в дословном переводе с французского chapeau claque означает «шляпа всмятку»), «бывшее» и на сегодняшний день практически безобидное. Разумеется, «смятость» характеризовала ее не всегда. В статье «Старуха Шапокляк как ушедший символ русско-имперской интеллигенции» Дмитрий Доронин делится любопытными соображениями:

«В молодости мой отец очень любил бега и регулярно ходил на Московский ипподром. <...> Основной публикой на ипподроме был, конечно, московский пролетариат.

И на фоне этого пролетариата очень выделялись пожилые осанистые женщины в необычных платьях с кружевами, которые молча, без криков и жестикуляции наблюдали за поединком наездников через лорнеты и пенсне <...> Через что прошли эти „старухи Шапокляк“ за свою жизнь? Откуда у них в 70-е годы в Советском Союзе были лорнеты? Что случилось с их отцами и мужьями в годы революции и репрессий?»

Ответить на эти вопросы в случае Шапокляк едва ли получится, поскольку насчет ее возможного прототипа бытуют разные мнения. Успенский видел в ней «скорее [первую] жену», его биограф Ханну Мякеля отдавал предпочтение матери писателя, а Леонид Шварцман, прямо как в анекдоте, срисовал кукольную Шапокляк со своей тещи. В общем, образ получился собирательный.

Но как раз собирательность и дает нам право на вымысел: почему бы не сделать байопик про старуху Шапокляк? Может получиться цепляющая за живое история о превращении энергичной интеллигентной девушки, которая попала в водоворот событий первой половины XX века, в полубезумную трагикомическую старуху.

Конечно, эксперименты в высокобюджетном кино — штука опасная. Гораздо надежнее — раз за разом воспроизводить с небольшими нововведениями кассовую схему хитового и совсем не мрачного «Чебурашки» — скорее всего, так и будет делаться.

И все же мало ли: а вдруг.

Автор текста: Глеб Колондо
Источник: https://gorky.media/context/cheburashka-2-vozvrashhenie-zver...

Другие материалы:

Показать полностью 10
25

Зубная щётка для маньяка — как создавался мир «Молчания ягнят»

«Молчание ягнят» Джонатана Демми — классический хоррор, в 1992 году получивший «Оскары» во всех пяти основных номинациях. Публикуем выдержки из интервью с художницей-постановщицей Кристи Зиа о её работе над картиной.

Кристи Зиа работала художником-постановщиком двух фильмов Джонатана Демми: «Молчание ягнят» и «Замужем за мафией». С ее точки зрения, проблемы всегда были похожими.

«Демми, — рассказывает Зиа, — дает своей творческой группе полную свободу, но выжимает из партнеров все, на что они способны. Он поощряет активное участие каждого — стараясь не упустить любую деталь, придуманную членами съемочного коллектива, работающую на замысел».

«Вообще-то, у меня цыплячий страх перед киноужасами, — продолжает Зиа, — например, я не могу смотреть экранизации Стивена Кинга. «Сияние» испугало меня до смерти. Я не выношу кошмары, насилие, убийства и все в этом роде. Так что здесь я «наступала на горло собственной песне». Сама не знаю, что на меня нашло».

«Приступая к «Молчанию ягнят», погружаясь в «ужасы», которые составляли материал фильма, я неотступно думала о Фрэнсисе Бэконе и его картинах. Голова в кувшине — кадр уже готового фильма — срисована с автопортрета Бэкона, отвратительный труп рядом с гигантской клеткой тоже навеян Фрэнсисом Бэконом. Мне хотелось сделать материальную среду как бы не вполне реальной».

«Когда я показала Демми рисунки развороченных тел и кровавого мяса, он сказал: «Знаете, по-моему, вы переусердствовали, даже для меня это слишком».

Такая реакция Демми на эскизы художницы не была единственной. По крайней мере один работник нью-йоркского Музея движущихся образов заболел, когда пытался каталогизировать графические образы Зиа.

Для оформления тюремной камеры Лектера Зиа использовала два источника вдохновения, один из них — картина Фрэнсиса Бэкона: человек погружен во тьму, а сверху на него падает луч света, все остальное растворено в сером, очертания лица смазаны, мы видим лишь рот, открытый для крика. Вторым источником был один из фотодокументов Нюрнбергского процесса: на фотографии сняты камеры — по обе стороны от центрального прохода, двойной высоты. Само помещение похоже на узкую и глубокую пещеру, камеры расположены в два этажа, одна над другой. Около всех камер стоят солдаты, которые следят, чтобы заключенные не убили друг друга.

«Невероятная фотография. Я все взяла оттуда. И поместила всю эту тюрьму-пещеру в подвал большого здания. Идея моя заключалась в том, что все происходит в подземелье, внизу — ниже некуда, и люди, там находящиеся, — это худшие представители рода человеческого. Они убежали из верхнего, наземного пространства и превратили в тюрьму то, что было всего-навсего обыкновенной бойлерной. Вот почему все стены облеплены трубами. Тим Гэлдвин, художник-декоратор, и Гэри Коско, архитектор из Питтсбурга, отлично поняли задачу и создали невероятное переплетение труб, вентилей и всякого хлама. Моя идея осуществилась — это был мир внутренностей».

Передняя часть помещения — это другая история. По предложению Тима Гэлдвина пробные кадры были сняты через решетку, описанную в новелле.

«Джонатан, — вспоминает Зиа, — пришел в отчаянье. «Не может ли камера, — спросил он, — войти внутрь за решетку, чтобы там снять хотя бы часть диалога?» — Я согласилась.

А потом кто-то предложил попробовать плексиглас, который используют во всяких хранилищах. Мы достали гигантский плексиглас толщиной полтора-два дюйма и затем сделали в нем отдушины, чтоб не было проблем со звуком. Это было очень дорогое решение, потому что плексиглас недешев, но я думаю, что это удача — герои, снятые сквозь прозрачную стену.

Чтобы визуально завершить аналогию с хранилищем, мы установили специальное сквозное выдвижное устройство, которое служит для связи Лектера с миром. Я хотела, чтобы в этих страшных сценах был особый звук! Для создания его мы использовали настоящий металл: решетки на камерах, засовы были отлиты из настоящего металла. Он дает совсем другой лязг. А стены были из стекловолокна».

Среда, окружающая убийцу Джека Гордона, во многом почерпнута художницей из книги об Эде Гейне «Маньяк»:

«Она дала мне много ключей к... не то чтобы психологии (почему он убивает — меня не интересует) — но к пространству, в котором он живет, к пониманию того, каков он в повседневной жизни. Лежит ли у него на раковине зубная щетка? Как выглядит его кухня? Когда я листала книгу про Гейна, меня поразила фотография, на которой снята его кухня. Это было самое грязное, наиболее омерзительное место из тех, что я видела. То, что человек мог жить в подобного рода мерзости, сказало мне многое об этом человеке. Я думаю, все это верно про Буффало Билла. Это как раз похоже на его жизнь.

Мы были очень тщательны в воссоздании мира убийцы. Мы хотели показать, что он любил свою моль: его мотыльки были в прекрасной форме, его маленькое королевство мотыльков было красивым. Он был очень, очень аккуратен в том, как он снимал кожу со своих жертв, — вот почему комната, где он держал все свои инструменты и приспособления, была тщательно убранной, чистой. Комната, где он шил, была комнатой фантазии. Иногда использование каких-то предметов было настолько ужасающим, что об этом даже невыносимо рассказывать. Вы видите эти манекены в обмундировании, сшитом из человеческой кожи, и думаете, что «ад здесь».

Оглядываясь на итог своей работы над фильмом, Зиа подчеркивает, что выразительность придуманной ею реальности удивила многих.

«Мир, в котором живет Лектер, — говорит Зиа, — это мир, существующий вне реальности. Сам герой — человек вне нормы, вне подлинной реальности. Мы имеем дело с кем-то, кто больше, чем жизнь, больше, чем зло, которое мы себе обычно представляем. Вот почему мы должны были создать такую материальную среду фильма, которая вызвала бы у зрителей настоящий шок».

Автор текста: Дэн Персонс
Перевод с английского: С. Фикс
Источник: https://kinoart.ru/texts/the-silence-of-the-lambs-design

Другие материалы:

Показать полностью 3
Отличная работа, все прочитано!