Горячее
Лучшее
Свежее
Подписки
Сообщества
Блоги
Эксперты
Сообщество - FANFANEWS
Добавить пост

FANFANEWS

1 015 постов • 1 072 подписчика

Популярные теги в сообществе:

Все посты  Горячее  Лучшее  Поиск
0 просмотренных постов скрыто
51

Тот самый Захаров⁠⁠

Марк Захаров больше 40 лет был художественным руководителем театра «Ленком» в Москве. На его сцене режиссер поставил спектакли «Доходное место», «Юнона и Авось», «Жестокие игры». Захаров снял телефильмы, которые стали настоящей советской классикой: «12 стульев», «Обыкновенное чудо» и «Тот самый Мюнхгаузен».

Студент ГИТИСа

Марк Захаров родился 13 октября 1933 года в Москве. При рождении он получил фамилию Ширинкин. Его отец, Анатолий Ширинкин, преподавал в школе, а мать, Галина Бардина, окончила театральную студию и вела занятия в актерских кружках для детей. После рождения сына семья жила в коммунальной квартире в районе Красной Пресни в столице.

Захаров с ранних лет полюбил театр, особенно кукольный. В своей книге «Контакты на разных уровнях» он писал: «Я очень увлекался театром в детстве, был ошеломлен довоенной «Синей птицей» во МХАТе, позднее знал наизусть многие спектакли в волшебном театре Сергея Образцова». С третьего класса он посещал драмкружок, а затем и театральные коллективы Москворецкого дома пионеров, где занимался вместе с Андреем Тарковским.

После школы Марк Захаров решил поступать в Школу-студию МХАТ, но его даже не допустили до экзаменов. На предварительной консультации абитуриенту посоветовали выбрать другую профессию. Но затем Захаров успешно прошел вступительные испытания в Государственный институт театрального искусства им. А.В. Луначарского. В 1951 году его зачислили на актерский факультет, руководителем студента стал режиссер и актер Иосиф Раевский. Уже со второго курса Захаров участвовал в массовых сценах, играл в спектакле «Дорога свободы» в Театре им. Маяковского. Во время учебы режиссер познакомился со своей будущей женой, Ниной Лапшиновой, которая училась на курс младше.

«Я почувствовал запах режиссерской профессии»

В 1955 году Марк Захаров окончил ГИТИС. В СССР существовала практика распределения: государство отправляло выпускников на несколько лет работать по специальности в разные регионы страны. Захарова определили в Пермский областной драматический театр. Спустя год в Пермь приехала Нина Лапшинова, они с Захаровым поженились и вместе служили в драмтеатре. По воспоминаниям режиссера, в то время ему поручали играть в постановках «разных смешных людей» — например, Бернардо в пьесе Лопе де Веги «Хитроумная влюбленная». Одновременно Марк Захаров работал на радио и рисовал карикатуры для прессы.

В 1956 году Захарова пригласили в театральную студию Пермского университета. Там он дебютировал как режиссер со спектаклем «Аристократы» по мотивам пьесы Николая Погодина. Об этом периоде позднее он писал: «Я почувствовал запах режиссерской профессии».

В Перми Марк Захаров проработал три года, затем вернулся в Москву. Там его приняли в Театр им. Гоголя, но поручали в основном второстепенные роли. Спустя год Захаров перешел в Московский театр миниатюр, где актеры выступали с монологами, показывали комические сценки и фельетоны. В то же время продолжал заниматься режиссурой, ставил спектакли в студенческом театре Московского государственного университета. Первой работой мастера на новой сцене в 1962 году стал спектакль «Дракон» по одноименной пьесе Евгения Шварца. Затем публика увидела постановку «Карьера Артуро Уи» по произведению Бертольта Брехта: Захаров работал над ней вместе с советским актером Сергеем Юткевичем. Эти спектакли принесли режиссеру известность среди коллег.

В 1965 году Марк Захаров пришел в Московский театр сатиры. Первым спектаклем на профессиональной сцене стало «Доходное место» по пьесе Александра Островского. Главные роли исполнили ведущие актеры театра — Андрей Миронов и Татьяна Егорова. Захаров вспоминал, что спектакль «очень быстро превратился в московскую сенсацию, зритель штурмовал театр».

Но спустя несколько месяцев постановку сняли с репертуара: министр культуры СССР Екатерина Фурцева назвала «Доходное место» безыдейным: по ее мнению, комедия не соответствовала советской идеологии. Другая работа Захарова-режиссера также оказалась под запретом: вскоре после премьеры закрыли комедию «Банкет» по пьесе Аркадия Арканова и Григория Горина.

Художественный руководитель «Ленкома»

В 1973 году Марк Захаров стал главным режиссером Московского театра им. Ленинского комсомола — «Ленкома». На этой должности он сменил Анатолия Эфроса. Первой постановкой Захарова стала пьеса «Автоград‑XXI»: режиссер написал ее совместно с поэтом Юрием Визбором. Главным героем стал молодой технократ, который руководил строительством большого завода. В драматической фантазии, как называли пьесу авторы, сочетались юмор и гротеск, психологизм драмы и лирика. Захаров отмечал, что это музыкальный рассказ о новом герое, который сквозь сомнения и препятствия движется к победе — готовому заводу. В постановке звучали песни на стихи Юрия Визбора и Роберта Рождественского.

В 1977 году Захаров поставил спектакль «Парень из нашего города». В его основу легла одноименная пьеса советского писателя Константина Симонова. Действие разворачивается в 1930-е. Герой произведения — Сергей Луконин, студент танкового училища. После учебы он отправился на войну в Испанию, попал в плен, но ему удалось сбежать. В постановке играли Виктор Проскурин, Олег Янковский и Людмила Зорина.

Другой известной работой Захарова-режиссера стали «Жестокие игры» по одноименной пьесе Алексея Арбузова. По сюжету социальной мелодрамы, как ее называли критики, родители молодого художника Кая улетели в командировку в Исландию. Юноша остался один в большой московской квартире. К нему постоянно приходили гости, среди них оказалась девушка Неля, которая сбежала из провинциального города от родных. Родители Кая не принимали особого участия в его жизни, отец и мать Нели не разделяли ее ценностей и убеждений. Оба героя чувствовали свою заброшенность и ненужность. Захаров писал, что «Арбузов тонко воссоздал многие особенности в мышлении и взаимоотношениях молодых людей». Постановка стала актерским дебютом Татьяны Догилевой: она исполнила роль Нели.

«Юнона и Авось»

В 1981 году в репертуаре театра появилась рок-опера «Юнона и Авось». С разным составом актеров постановку показывали на сцене «Ленкома» свыше тысячи раз, она идет и по сей день — уже больше 40 лет. Музыку для спектакля написал композитор Алексей Рыбников, либретто создал поэт Андрей Вознесенский.

В основу истории легли реальные события. В начале XIX века русский дипломат Николай Резанов в составе экспедиции отправился в кругосветное плавание. Он прибыл в Калифорнию, в город Сан-Франциско, чтобы пополнить запасы продовольствия для колоний на Аляске. Там Резанов встретил юную Кончиту Аргуэльо, дочь местного губернатора, и вскоре обручился с ней. Но Резанову предстояло вернуться в Россию, чтобы просить разрешения на брак с иностранкой. До Петербурга он не доехал — тяжело заболел в дороге, из-за сильной слабости упал с лошади и вскоре скончался. Кончита узнала о смерти жениха лишь через год. Замуж она больше не вышла, постриглась в монахини и занялась благотворительностью.

Роль Резанова в рок-опере исполнил Николай Караченцов, Кончиту сыграла Елена Шанина. Вскоре после премьеры труппа отправилась на гастроли во Францию по приглашению кутюрье Пьера Кардена. Больше месяца спектакль шел в Париже каждый день, пресса благосклонно о нем отзывалась. По воспоминаниям Марка Захарова, зрители приходили на постановку по несколько раз. После успеха во Франции труппа отправилась дальше, в США, Германию и Нидерланды.

«12 стульев» и «Тот самый Мюнхгаузен»: Захаров — кинорежиссер

В 1970-е годы состоялся дебют режиссера Захарова в кино. В 1976 году на экраны вышел телефильм «12 стульев» по одноименному роману Ильи Ильфа и Евгения Петрова. Лента стала второй советской экранизацией этого произведения: на пять лет раньше вышла картина Леонида Гайдая. Молодого авантюриста Остапа Бендера в комедии Захарова сыграл Андрей Миронов, а его приспешника Ипполита Воробьянинова по прозвищу Киса — Анатолий Папанов. Музыкальную картину в четырех сериях тепло приняли зрители.

В 1979 году на экраны вышел телефильм «Тот самый Мюнхгаузен». В основу ленты легла пьеса Григория Горина «Самый правдивый». Драматург создал ее по мотивам произведений немецкого писателя XVIII века Рудольфа Эриха Распе. Образ выдумщика с богатым воображением, чьи фантазии зачастую оказываются реальностью, воплотил на экране Олег Янковский. Несколько ролей в картине сыграли актеры «Ленкома», в том числе Леонид Броневой и Александр Абдулов.

В 1980-х Марк Захаров открыл для себя еще одно направление работы: он пришел преподавать на режиссерский факультет ГИТИСа. Там он проработал почти 30 лет.

Театральные и телевизионные спектакли

В 1990-х Захаров продолжал ставить спектакли в «Ленкоме». Среди постановок того периода — опера для драматического театра «Королевские игры», история о жизни английского короля Генриха VIII и его второй супруги Анны Болейн, которую казнили из-за подозрений в измене.

Захаров в «Ленкоме» поставил несколько спектаклей, которые называл «тихими» — без музыкального сопровождения. Режиссер писал о них: «Мы пытались освоить некоторые иные способы поэтического созидания». Среди подобных постановок — «Чайка» по одноименной пьесе Антона Чехова. Роль Тригорина в ней исполнил Янковский. Марк Захаров считал эту работу актера «вершиной его сценических свершений».

В 2000–2010-х Захаров работал над фильмами-спектаклями — экранизациями театральных постановок. В 2005 году вышла телеверсия комедии «Безумный день, или Женитьба Фигаро», главные роли в ней исполнили Дмитрий Певцов и Александра Захарова. Режиссер вспоминал в мемуарах, что перед труппой стояла цель развеселить себя и зрителей, поэтому для действа характерна была «праздничная заразительность», с «хохотом и взрывами аплодисментов».

До последних дней Марк Захаров продолжал работу. Режиссер умер 28 сентября 2019 года в Москве, похоронили его на Новодевичьем кладбище. Вскоре после этого театр, в котором он ставил спектакли более 40 лет, стал называться «Ленком Марка Захарова».

Источник: culture.ru

Другие материалы:

Показать полностью 14
Режиссер Театр Фильмы Марк Захаров Биография Длиннопост
1
29

Классика кинофантастики — «Запретная планета» (1956), реж. Фред М. Уилкокс⁠⁠

Путешествие в неизведанное с Лесли Нильсеном, Шекспиром и психоанализом.

— Хороший у вас тут климат. С высоким содержанием кислорода.
— Мне кислород ни к чему, сэр. От него ржавеют.

Сегодня «Запретная планета» многим покажется устаревшей. История про астронавтов, которые исследуют тайны исчезнувшей цивилизации и сражаются с невидимым «монстром подсознания», развивается крайне неторопливо. Диалоги перегружены научно-фантастическим жаргоном, а сюжет в какой-то момент буквально ставят на паузу, чтобы устроить героям экскурсию по инопланетному заводу. Все земляне («восемнадцать отборных супер-идеальных физических экземпляров») — статные белые брюнеты, а единственная девушка мгновенно становится объектом романтического соперничества между ними. Голливуд 1950-х как он есть.

И всё же «Планета» не случайно считается этапной картиной, во многом определившей курс развития американской фантастики. Впервые на экранах: история, полностью разворачивающаяся за пределами Земли, космические корабли со сверхсветовым двигателем и проработанный персонаж-робот с центральной ролью в сюжете! А ещё изысканные мини-юбки — гардероб героини Энн Фрэнсис казался тогда настолько фривольным, что фильм запретили к показу в Испании аж до конца 1960-х. Ещё одним открытием «Планеты» был её саундтрек, состоящий из электронных «завываний», гулов и шумов. В последующие двадцать лет эта внеземная музыка станет стандартом жанра по всему миру. А тогда в поисках нужных звуков композиторам-авангардистам Биби и Луи Бэрронам даже пришлось изобретать собственную электроплату, на которой они генерировали различные тона, а затем искажали их при помощи кольцевого модулятора.

Наконец, «Запретная планета» во многом перевернула отношение Голливуда к космической фантастике. Прежде фильмы этого жанра обычно проходили по малобюджетной «категории Б», но студия Metro-Goldwyn-Mayer рискнула придать своему проекту нотку престижа. Сценарий был написан под влиянием «Бури» Шекспира и психоаналитических теорий Фрейда. На съёмки были выделены два миллиона долларов (солидные деньги по тем временам) и один из самых крупных павильонов компании, где когда-то снимали «Волшебника страны Оз».

Почти все декорации, технику и костюмы, включая чрезвычайно дорогой «доспех» робота Робби, придумали с нуля. А для создания визуальных эффектов — бластерных выстрелов, разрядов электричества и чудовища-невидимки - выписали художника-аниматора со студии Уолта Диснея. «С первого же съёмочного дня, — рассказывала потом Энн Фрэнсис, — от нас требовали относиться к фильму серьёзно». И эта основательность в «Планете» заметна невооружённым глазом. Хотя иногда и обескураживает: очень непривычно видеть будущего комика Лесли Нильсена в роли сурового космолётчика.

Неудивительно, что «Запретная планета» вдохновила не одно поколение фантастов. Многие из её тем и образов Джин Родденберри позаимствовал для «Звёздного пути», а отсылки к фильму можно встретить в «Сумеречной зоне», «Докторе Кто» и «Вавилоне 5». В разное время к ремейку картины подступались Джеймс Кэмерон и Джозеф Майкл Стражински, но безуспешно. «Запретная планета» по сей день остаётся неприступной и чарующей.

Автор текста: Илья Глазков
Источник: 150 фантастических фильмов, которые стоит посмотреть

Другие материалы:

Показать полностью 2
Фильмы Лесли Нильсен Робот 1956 50-е Фантастика Длиннопост
2

Неукротимый Киану: 14 экшен-фильмов с Киану Ривзом — от худшего к лучшему⁠⁠

Всеобщий любимец Киану Ривз — на редкость «кровожадный» артист: не расстается с пистолетом (и собаками) больше тридцати лет. Кинокритик Николай Корнацкий составил субъективный рейтинг боевиков с участием актера.

14. «47 ронинов» / 47 Ronin (2013)

«Лишь тот, кто знает бессмертную легенду о 47 ронинах, способен постичь сердце и душу Японии». Голос из пролога прав: легенда о самураях-мстителях и правда многое объясняет в японском характере, но сам фильм гораздо эффективнее как экскурсия в сердце тьмы Голливуда. Там регулярно творят невозможное: собирают профессионалов, дают им кучу денег, а потом заставляют делать очередной безликий продукт.

«47 ронинов» — самый громкий в череде кассовых провалов, которые едва не похоронили карьеру Киану Ривза, но совсем сбрасывать со счетов это кино не стоит. Во-первых, это красиво. Во-вторых, если пережить полтора часа изысканной скуки, можно увидеть, как Киану уделывает дракона — такого в «Джоне Уике» точно не будет. Наверное.

13. «Цепная реакция» / Chain Reaction (1996)

В кадре Киану лишь однажды берет в руки пистолет, а так по большей части работает мишенью. Фактически режиссер Эндрю Дэвис снял ремейк своего культового боевика «Беглец», но зачем-то сворачивает то на территорию научной фантастики, то на лужайку политического триллера. На Эдди, героя Ривза, охотятся и полиция с ФБР, потому что подозревают в теракте, и агенты околоправительственной организации — потому что тот знает (внимание!) звуковую частоту, которая стабилизирует процесс выделения энергии из воды.

Иногда тягомотный абсурд умирает в адреналиновом экшене (особенно хороша погоня по разводном мосту), однако умирает редко. Но что ценно, порой легко представить, что на экране сам Киану. Вот Эдди, понурый, бредет по ночному городу: злодеи только что похитили подругу (Рэйчел Вайс). Проходит мимо бомжа, который греется на вентиляционной решетке и просит милостыню. Бомж обиженно материт его вслед. Эдди на секунду замирает, возвращается — и протягивает банкноту: «Я рядом посижу?» 

12. «Мастер тай-цзи» / Man of Tai Chi (2013)

За карьеру Киану всего дважды играл антагонистов — эпизодические плохиши в «Плохой партии» или «Неоновом демоне» не в счет. В первый раз — в маньячном триллере «Наблюдатель» (2000), и случилась эта роль только потому, что друг подделал (!) его подпись на контракте. А во второй раз — как раз в «Мастере тай-цзи», по доброй воле, в своем режиссерском дебюте, который явно был затеян, чтобы подарить другу первую главную роль.

Тайгер Чэнь был хореографом экшен-сцен и дублером Киану Ривза в «Матрице». С тех пор они не разлей вода, но в «Мастере...» убедительно помяли бока друг другу. И хотя фильм кажется необязательной, но симпатичной бэхой в жанре martial arts, заманчиво увидеть в нем зашифрованную автобиографию. По сюжету, чтобы преуспеть в подпольном бойцовском клубе, протагонисту мало быть профессионалом — нужно распрощаться с приватностью и юношескими иллюзиями.

11. «Джонни Мнемоник» / Johnny Mnemonic (1995)

Во-первых, это дико. До сих пор. Якудза с лазерной нагайкой. Бородатый пророк Дольф Лундгрен, обожающий втыкать ножики в людей. Разумный дельфин — лидер сопротивления. А завязка-то — в нашем настоящем (время действия — 2021 год, и надо же — планету выкашивает эпидемия): человек-флешка доставляет из пункта А в пункт Б загруженные в мозг 320 гигабайт ценной информации. За мозгом охотится Такеши Китано.

Эта экранизация рассказа отца киберпанка Уильяма Гибсона должна была стать артовой черно-белой короткометражкой, а превратилась в провальный попкорновый блокбастер и обрела с годами культовую славу. Репетиция «Матрицы» прошла не очень удачно, но ярко. Самая запоминающая экшен-сцена — длинный, как Слендермен, аватар Киану Ривза сражается с антивирусом, а потом делает Ctrl+C, Ctrl+V фотографии.

10. «Киану» / Keanu (2016)

Между скетчкомом «Кей и Пил» (закрыт в 2015-м) и хоррором «Прочь» (2017) Джордан Пил успел написать, спродюсировать и сыграть главную роль в этой экшен-комедии. Он и его соавторы в один голос уверяют, что сюжет был придуман до «Джона Уика», но верится с трудом. Судите сами: у Джона, кто забыл, срывает резьбу, когда убивают его щенка, — и он объявляет личную вoйну русской мафии. Тут два обывателя внедряются в наркокартель, чтобы вернуть украденного котенка одного из них.

В одном нет сомнений: заглавную живность назвали именно в честь актера, который даже озвучил тезку в сцене наркотического трипа. Вообще, не так уж важно, является «Киану» пародией на «Уика» или нет, — ирония над уникальным star quality Киану Ривза здесь очевидна. В одной из первых сцен фильма котенок бежит по Лос-Анджелесу, оставляя следы на свежем — самом обычном, демократичном — асфальте. Такие отпечатки подолговечнее ладошек на «Аллее славы».

9. «Джон Уик 3» / John Wick 3 (2019)

Триквел отлично подхватывает действие после развязки второй части, но резко глохнет пару эпизодов спустя. За голову киллера Джона Уика назначили 14-миллионную награду и признали неприкасаемым: чем не «Безумный Макс» в реалиях мегаполиса — два часа наперегонки со смертью. Но интригу подменила география — самая потенциально мощная серия оказалась ознакомительным видео по «вселенной Уика», прологом к будущим сиквелам и спин-оффам. Герои заявляются, кивают зрителю и временно покидают подмостки.

Но первые минут двадцать пять искупают последующие полтора часа. Виртуозная экшен-сцена в оружейном магазине плавно перетекает в виртуозный экшен на конюшне (Джон шлепает по лошадке, и та задними копытами отправляет врага в нокаут). Потом Джон Уик верхом (!) по ночному Нью-Йорку добирается до музея русской клюквы — Театра Тарковского, где на сцене репетирует балерина с воровскими наколками на нежной спине. Именно здесь герой наконец раскрывает свое настоящее имя: «Меня зовут Джардани Йовонович. Я дитя Белоруссии».

Разок Джон Уик дает «классического Киану». Сломав шею бандита о книгу сказок Афанасьева, киллер аккуратно возвращает окровавленный томик обратно на библиотечную полку.

8. «Короли улиц» / Street Kings (2008)

К этому сценарию детективщика Джеймса Эллроя присматривались Спайк Ли и Оливер Стоун, но в итоге поставил сценарист «Тренировочного дня» Дэвид Эйер (впоследствии — режиссер того самого, первого, несчастного «Отряда самоубийц»). Выглядит все как неонуар Майкла Манна, но уж больно предсказуема интрига — когда героя Киану коллеги в глаза называют недалеким, соглашаешься: мог бы и пораньше свести все концы с концами. Но можно ведь перефразировать: не глупый, а наивный. Сам актер давно и прозорливо сформулировал свое амплуа: «Я всегда играю мужской вариант инженю. Я всегда играю невинных». Так и здесь: да, «грязный» коп, который выбивает тяжеленным телефонным справочником показания, — и при этом все еще наивный идеалист. Что касается экшена, есть отличная сцена, где герой в одиночку проникает в логово корейской ОПГ.

7. «Матрица: Перезагрузка», «Матрица: Революция» / The Matrix Reloaded, The Matrix Revolutions (2003)

Сложно сказать, что же пошло не так. Скорее всего, грандиозный замысел просто подмял под себя драматургию. Вачовски любопытно достроили манихейскую космологию «Матрицы», но так и не придумали, как ее пересказать языком блокбастера. «Реальный» мир будущего предстал бледной копией «Звездных вoйн», герои превратились в целлулоидные тени, которые ведут едва мотивированные философские разговоры. Сколько эффектных драк, сколько эффектных сцен (Нео летает, как Супермен, Нео тонет в море агентов Смитов, подручные Меровингена проходят сквозь стены, ходят по потолку, Нео целует Монику Беллуччи). Сколько смертей, а никого не жалко, никого. Первая «Матрица» была больше, чем кино. Финал трилогии оказался мельче.

6. «Джон Уик» / John Wick (2014) 

«Когда-то он работал на нас. Его звали Баба-Яга». «Как-как? Бугимен?» — Иосиф явно родился в Америке, забыл свои корни. «Нет, — терпеливо объясняет папа, мафиози Вигго Тарасов, наливая себе вискарь. — Он был тем, кого отправляли завалить бугимена».

Наверное, авторы и сами не до конца осознают, почему дешевый боевик про неубиваемого убийцу, который мстит бывшим работодателям за собачку, так выстрелил, превратился во франшизу и перезапустил карьеру Киану Ривза. Допустим, некоторые новации возникли от безденежья. Чтобы сделать обычный клиповый монтаж, банально не хватало камер, поэтому экшен снимали по возможности одним кадром и общим / средним планом. Но красоту концепции постфактум невозможно не оценить. «Джон Уик» — это хоррор для тех, кто не смотрит хорроры (малолетка по дурости разбудил лихо — теперь лихо заберет всю его родню). И комикс для тех, кто не смотрит комиксы, — этот сложноорганизованный мир гораздо ближе к вселенной Marvel, чем к реальному криминалу.

И опять же красивая деталь — с каскадерами Чадом Стахелски и Дэвидом Литчем Киану Ривз знаком со времен «Матрицы». И это он предложил им дебютировать в качестве режиссеров и поставить сценарий «Уика». В общем, всюду «Матрица».

5. «Джон Уик 2» / John Wick 2 (2017)

Сиквелы редко бывают лучше оригинала, но Чад Стахелски неплохо рассчитал пропорции. Драматургия редуцирована до необходимого минимума, а экшена столько, что даже чересчур. Претенциозный серьез зашкаливает, но «Уику», как ни странно, это даже к лицу. В этой франшизе, как часто бывает с боевиками, проблемы с юмором, но некоторые сцены (например, где «сомелье» рекламирует «новый урожай» Glock, а на десерт предлагает только что заточенные боевые ножи) уместно смотрелись бы и в пародийной комедии вроде «Заряженного оружия». Главное же — трагическая нотка звучит все звонче. Неслучайно в эту и следующую серию Стахелски вставил фрагменты из фильмов Чарли Чаплина и Бастера Китона. Уик им вполне законная родня: маленький человек наедине с судьбой, что ни кадр, то акробатический трюк.

4. «Матрица: Воскрешение» / The Matrix Resurrections (2021)

Новая «Матрица» напоминает седьмую серию «Кошмара на улице Вязов» (из которой позднее вырос «Крик») — неожиданно остроумный метакомментарий к поп-феномену.

Как в итоге Матрица победила человеческое сопротивление? Так же, как капитализм побеждает любую опасную для себя идеологию, — превращает в товар, а потом на нем зарабатывает. В этой новой реальности все знают про Матрицу, но никто не воспринимает ее всерьез — ведь это всего лишь придумка культового геймдизайнера Томаса Андерсона, создателя сверхпопулярной одноименной компьютерной игры. Не верит в Матрицу и сам Андерсон. Нео не узнать — патлы и борода выдают в нем Джона Уика. Критики еще с 1990-х годов вменяют Киану «деревянную» игру, но тут зажатость более чем уместна: новый Нео — интроверт и суицидал, каждый день по настоянию врача он пьет по синей таблетке.

Четвертую серию снимала уже одна Лана Вачовски, без Лилли. Не подвела.

3. «Скорость» / Speed (1994)

«Крепкий орешек» на колесах, классика жанра (99-е место в сотне лучших триллеров по версии Американской киноакадемии) и кассовый хит, который окончательно превратил Киану Ривза в звезду. Формула адреналина примерно та же, что и в «Плате за страх» Анри-Жоржа Клузо, но если там андердоги перевозили через горы взрывчатку, то здесь маньяк заминировал обычный пассажирский автобус и требует выкуп. Но, Лос-Анджелес, спи спокойно — спецназовец Джек на посту. Ради этой роли Киану постригся под ноль, накачал мышцы, да еще выполнил 90% всех трюков. Беззаботное детство закончилось, а изнуряющие тренировки к «Матрице» уже не за горами.

Блокбастер дал старт и карьере Сандры Буллок, которая сыграла отважную пассажирку Энни — с ней у Джека завязывается роман. «У отношений, которые начинаются в экстремальных обстоятельствах, нет будущего», — между делом бросает Энни (диалоги в сценарии правил молодой Джосс Уидон) и оказывается права. В сиквеле «Скорости» она играла уже без Киану Ривза. Тот отклонил предложение, чтобы сыграть Гамлета в театре Виннипега. Фильм в итоге с треском провалился, но обиженная студия десять лет держала артиста в «черном списке».

2. «На гребне волны» / Point Break (1991)

Первая «взрослая» роль Киану Ривза. Уже не школьник и не студент, а вчерашний выпускник университета — Джонни Юта берется за свое первое дело в ФБР. Внедряется под прикрытием в тусовку серферов, чтобы вычислить неуловимую банду грабителей банков. Парнишка мечется между двумя символическими отцами: бывалым напарником (Гэри Бьюзи в кои-то веки не злодей) и лидером новых хиппи по прозвищу Бодхи, то есть Бодхисаттва (Патрик Суэйзи). Первый мудрее, от второго сияние исходит. Развязка, как полагается, трагическая, но Фрейду бы понравилась. Визуально изобретательный, гипнотизирующий опыт — накрывает волной, сбрасывает с небес. Одна из главных удач в режиссерской карьере Кэтрин Бигелоу.

1. «Матрица» / The Matrix (1999)

Ну да — так себе интрига.

Автор текста: Николай Корнацкий
Источник: https://www.pravilamag.ru/entertainment/695233-neukrotimyi-k...

Другие материалы:

Показать полностью 14
Фильмы Роли Киану Ривз Подборка Длиннопост
85
21

Что символизируют супергерои в кино⁠⁠

Алексей Филиппов рассказывает о том, какие хищные вещи века скрываются за людьми с суперсилами и в экстравагантных костюмах. Все это не только парад ряженых, как думают многие скептики.

«Хранители», 2009

В хрестоматийной статье «Миф о Супермене» Умберто Эко ставит придуманного писателем Джерри Сигелом и художником Джо Шустером супергероя в одну линию с Гераклом, Пантагрюэлем и Питером Пэном (то есть с героями мифов — древних и сравнительно новых, литературных). При этом уточняет два момента.

Невероятная сила этих героев нередко очеловечивается, то есть выступает «высшим проявлением естественных человеческих свойств» (как ум достигает некоего предела в образе Шерлока Холмса). Непосредственно про супергероев он также замечает, что на формирование их образов повлияла индустриальная обстановка, когда человек начал чувствовать себя винтиком в огромном механизме, да еще и остро ощущать собственную слабость в сравнении с продуктивной машиной. Именно в таких обстоятельствах и родился миф о Супермене — могучем криптонце, который стал патриотом Земли и США. И не только о нем.

Проще говоря, чтобы понимать образы супергероев в комиксах и современном кино, нужно помнить, что за самыми живучими из них скрывается социальный запрос. «Люди в трико» уравновешивают недостатки человеческого организма вообще или в конкретную эпоху: так, сейчас переживающему многочисленные тревоги миру очень нужны герои (почти) без страха и (по большей части) без упрека. Чтобы не распыляться, мы сфокусируемся на ключевых персонажах кинематографической супергероики XXI века — и разберемся, что скрывается за их яркими биографиями.

Боги

«Хранители», 2009

Говорить, что супергероика исполняет обязанности американской мифологии, — уже давно общее место. Участие Тора в сольных и командных фильмах киновселенной Марвел делает эту мысль, казалось бы, совсем очевидной. Хотя комиксные боги возникают не столько благодаря заимствованию из других культур (вроде скандинавской, с которой у марвеловского сына Одина не так много общего), сколько через емкое описание хищных вещей нового времени (об этом ниже).

Если все-таки говорить о современном супергеройском кино, то два по-настоящему божественных образа изобразил Зак Снайдер. Он в «Человеке из стали» (2013) всячески рифмовал Супермена с Христом, а в альтернативном прошлом доктор Манхэттен из «Хранителей» (2009) вобрал в себя и нечто божественное, и мощь человеческого разума, и голубое свечение атомной энергии. Помесь людского тщеславия с силой демиурга также олицетворяет Озимандия из той же экранизации Алана Мура.

В качестве оппозиции можно вспомнить Хеллбоя, где рогатый черт из преисподней, борющийся с нечистью на благо человечества, угрожал превратиться в натурального дьявола — однако это не столько демонический, сколько типаж переходного возраста.

Равноправие

«Чудо-женщина», 2017

Другая популярная трактовка супергероев — примеры для подражания: мол, деткам нужно с кого-то брать пример (эта функция почему-то вызывает устойчивое презрение). Однако если «образец» всех мальчишек — Супермен — появился в 1938-м, а кумир всех пацанов помрачнее — Бэтмен — в 1939-м, то время Чудо-женщины, например, пришло только в 1941-м. Психолог, теоретик феминизма и комиксист Уильям Марстон придумал ее формально как «Cупермена в юбке», чтобы у девочек формировалась своя ролевая модель — с кулаками, с доблестью и прочими качествами, нередко приписываемыми почему-то исключительно супермужчинам. Во многом образ Дианы Принс был списан с супруги Марстона Элизабет и журналистки Оливии Бирн, с которой они проживали в полиаморных отношениях (довольно, понятно, шокирующих для 1940-х, да и 2010-х).

В довольно дидактическом формате эти идеи содержит «Чудо-женщина» (2017) Пэтти Дженкинс, несложно их отыскать и в более прямолинейной картине «Капитан Марвел» (2019) с Бри Ларсон.

Сюда же можно добавить «Черную пантеру» — одного из первых чернокожих супергероев в комикс- и киновселенной Марвел, а также все фильмы франшизы «Люди Икс» — целой галереи Других, где можно угадать и представителей сообщества ЛГБТК+, и других угнетаемых групп. Комикс появился в 1963-м, как раз посреди расцвета или нового витка в истории движений за равные права. В фильмах Брайана Сингера, впрочем, вся социальная подоплека минимизирована, даже эпоха подается через музыкальные стереотипы.

О том, как важна репрезентация на большом экране не только белых мужчин, вполне красноречиво говорят еще и большие сборы «Черной пантеры», «Чудо-женщины» и «Капитана Марвел».

Война, политика, наука, экология

«Железный человек», 2008

За рождением многих супергероев стоят вехи в американской и мировой истории XX века. Сочиненный в 1963-м Железный человек — порождение холодной войны и вьетнамской кампании, что в начале нулевых без швов переродилось в оду американской военной промышленности и безалаберной самоуверенности на мировой арене (в частности, в Ираке и Афганистане).

Родившийся в том же году доктор Стрэндж наглядно отразил увлечение США эзотерикой и стереотипным востоком: еще один эгоист (талантливый хирург) пытался излечиться через смирение и тибетские практики. Так как очевидной аналогии в 2010-х для этого сюжета не нашлось, фильм с Бенедиктом Камбербэтчем в итоге напоминал кальку с «Железного человека».

Халк или доктор Манхэттен олицетворяют неконтролируемую мощь науки, которая в случае первого наглядно связана с непостоянством человеческого характера. Во всех экранизациях комикса («Халк» Энга Ли в 2003-м и «Невероятный Халк» Луи Летерье в 2008-м) сильный акцент также делался на бесчеловечные эксперименты американской военки, мечтающей создать идеального солдата.

Сюда же, вероятно, стоит записать Аквамена, который в экранизации самую малость отдувался за тему экологии, хотя сам персонаж носит, скорее, тот же характер, что и Тор, — то есть номинально заимствован из древней мифологии (разговаривает с рыбами и правит Атлантидой).

Психологическая травма

«Бэтмен: Начало», 2005

Говоря о суперсилах, опять же полезно помнить, что дается она не просто так, а зачастую — через травму. Питер «Человек-паук» Паркер потерял родителей, а потом и дядю, Бэтмен — тоже сирота (вдобавок — пример стойкости для читателей времен Великой депрессии), остальные сверхлюди также без конца теряют родных и близких. Росомахе из «Людей Икс», например, катастрофически не везет с возлюбленными (как и болтливому наемнику Дэдпулу).

Рассказать о том, что суперсила = травма (и наоборот) постарался Манодж Нелльятту Шьямалан в трилогии «Неуязвимый» (2000) — «Сплит» (2017) — «Cтекло» (2019), но в заключительной части так увлекся рассусоливанием, что просто два часа пересказывал зрителям более-менее очевидные тезисы, еще и в пандан новому «Человеку-пауку», где та же тема раскрывалась более изящно.

Тем не менее психотерапевтический эффект супергероики зачастую работает именно через такие характеристики персонажей. В сериале Netflix «Джессика Джонс» главная героиня переживала жестокий абьюз в отношениях, а Наташа Романофф из «Мстителей» прячет в прошлом бесчеловечные тренировки. Как завещал Эко, особенности супергероев есть продолжение человеческих черт, а потому фраза, что супергерои тоже люди, не так банальна и смехотворна, как может показаться.

Взросление

«Человек-паук», 2002

Пока одни супергерои компенсировали беды взрослых в индустриальном обществе, другие занимались проблемами детей и юношества. Довольно прямолинейно зарифмовал суперсилы и пубертат Сэм Рэйми в «Человеке-пауке» (2002), где разбрызганная по всей комнате паутина недвусмысленно изображала половое созревание. В «Новом Человека-пауке» (2012) Марка Уэбба подростковая интонация оказалась чуть более убедительной, но гораздо интереснее мир подростка выстроен в картине «Человек-паук: Возвращение домой» (2017) Джона Уоттса и мультфильме «Человек-паук: Через вселенные» (2018). Оба делают ставку не столько на половое созревание, сколько на двойную жизнь, характерную как для супергероев, так и для тинейджеров, которые начинают тайком познавать мир за пределами родительского позволения. Вдобавок новейший мультфильм Спайди впускает в еще детский мир проблему той самой силы, какую человечество хочет, но уже не может проявить. И смириться с невозможностью что-то сделать — как раз и есть часть взросления.

Другой образ подростка предлагает все тот же «Хеллбой»: парень из Пекла слушает металл, переругивается с отцом, злоупотребляет алкоголем, влипает в неприятности и от обиды на весь мир готов его уничтожить. До кучи можно вспомнить эффектный кинокомикс Мэттью Вона «Пипец» (2010), подтрунивавший над супергероикой про подростков-вигилантов.

За героев для зрителей помладше отдувается «Шазам» — фильм из киновселенной DС, где сирота получает невероятные силы (практически как у Супермена). Ему достаточно сказать, собственно, «Шазам» — и он превратится в огромного накачанного мужчину с плащом и молнией на груди. Никаких личных проблем, взрослая жизнь подана как игра — в теле мужика можно попробовать пиво, поиграться с силушкой богатырской, да и вообще присмотреться к тому, что же такое быть взрослым. Не фильм, а экранизация мечты «Эх, поскорее бы вырасти» (по совместительству — ода семье как любящему коллективу, а не вынужденному сожительству биологических родственников).

Вигилантизм

«Каратель», 2017

Запрос на восстановление попранной справедливости тоже отражался в комиксах: так, первые истории про антигероя Карателя, появившиеся на излете вьетнамской кампании в 1974 году, вообще напоминали по духу классические нуары с их интонацией «никому не верю и ни на что не надеюсь». Со временем история про жестокого мстителя, потерявшего семью в перестрелке банд, становилась все более брутальной и ушла в сторону криминального чтива, а на большом экране — встала на рельсы боевика категории Б («Каратель» 1989-го, 2004-го и 2008-го).

В нетфликсовском сериале 2017-го, помимо рифмы между агрессивным поведением США на международной арене и беззащитностью штатских на злых улицах, поднимается вопрос военного товарищества и посттравматического расстройства. Проще говоря, Каратель проходит через двойную травму — как военный, которому тяжело вернуться к обычной жизни, и как человек, потерявший всех близких.

Фигура справедливого мстителя вообще имеет свое небесспорное очарование: в сущности, и Бэтмен, и Человек-паук, и Пипец из экранизации комикса Марка Миллара действуют вне закона — по зову совести (нередко прибегая, правда, к суду Линча). Как далеко это обостренное чувство справедливости может завести, демонстрирует Роршах из «Хранителей» — не столько носитель приставки «супер», сколько отмороженный антигерой, если не злодей. В сущности, комикс Мура (и его экранизация) целиком посвящен теневым сторонам идеи супергероизма — поломанным судьбам, гноящимся ранам, психологическим завихрениям. Супергерои, конечно, тоже люди, но иногда — слишком люди еще и в плохом смысле.

Автор текста: Алексей Филиппов
Источник: kinoart.ru

Другие материалы:

Показать полностью 6
Супергерои Комиксы Психология Философия Социология Длиннопост
2
9

О книге Чайны Мьевиля «В поисках Джейка»⁠⁠

Чайна Мьевиль – романист от бога. За какой бы жанр не брался – результат великолепен. Оказалось, что он ещё и отличный рассказчик. Сборник малой прозы «В поисках Джейка» представляет новую грань мастерства писателя. Дюжина рассказов, одна повесть и одна графическая новелла (да-да, в сборнике присутствует и 11-страничный комикс, нарисованный Лиамом Шарпом) – вот, что вы найдёте под этой обложкой.

Рассказы Мьевиля напоминают одновременно (говорю об атмосфере, а не сюжетном или стилистическом сходстве) Хулио Кортасара и Анну Старобинец, Келли Линк и Стивена Кинга, Клайва Баркера и Джонатана Летема, Харуки Мураками и … самого Мьевиля. И при этом они ни на что не похожи. Это странные истории, странность которых и является главной изюминкой, не разгаданные загадки, не раскрытые тайны, не изученные явления, не найденные пропажи – каждый рассказ предлагает интересную идею, обрисовывает её, вроде бы даёт развитие действию и заканчивается на полуслове. Словно бы автор достал чемодан с набросками будущих романов (а в каждом произведении сборника зачина вполне хватит на хороший роман), выбрал наиболее удачные из них и собрал вместе для публикации.

Объединяет рассказы не только атмосфера, действительно единая на весь сборник. Несмотря на то, что сюжетно истории совсем не соотносятся друг с другом, а рассказ «Джек», например, и вовсе принадлежит вселенной, уже известной по «большому» творчеству писателя и примыкает к циклу «Нью-Кробюзон». Хотя, вру – найти нечто общее, кроме атмосферы, можно и в сюжете: во всех рассказах сборника происходит серьёзный надлом реальности. Какая-то прореха, щель, трещина, через которую или что-то вторгается в мир с той стороны реальности, или что-то уходит из него в обратном направлении, а в «Отчёте о неких событиях в Лондоне» это происходит в обе стороны.

Любителям загадочной и красивой прозы, той прозы, которая очень близка к поэзии. Любителям того волшебства, которые некоторые называют магическим реализмом, а некоторые – фрик фэнтези.

Другие мои отзывы на книги:

Про книжки с картинками:

Книги серии «Занимательная зоология»:

Показать полностью 2
[моё] Чайна Мьевиль Книги Магический реализм Сборник рассказов Фэнтези Длиннопост
3
17

Классика кинофантастики — «Инопланетянин» (1982), реж. Стивен Спилберг⁠⁠

Пришелец и его мальчик

И-ти идёт домой!

Стивен Спилберг — фантастический человек, изменивший массовую культуру. И, пожалуй, сильнее всего его влияние ощущается в 1980-х годах, которые без его продюсерских и режиссёрских проектов были бы совсем другими.

Именно в это время он снял трилогию об Индиане Джонсе и «Инопланетянина» — неожиданно смелую ленту на фоне снова поразившей США паранойи по поводу «красной угрозы» и моды на жутких инопланетян вроде «Чужого» и «Нечто». Спилберг рискнул задаться вопросами: а так ли уж плохи потенциальные «вторженцы» и так ли замечательно правительство, готовое зайти неопределённо далеко в борьбе с гипотетической угрозой?

Судя по всему, вопросы попали в точку: общество приняло ленту на ура, а сборы в 75 раз превысили бюджет фильма. «Инопланетянин» пятнадцать лет держал первое место по кассовым сборам в США, доказав, что детское кино может быть невероятно прибыльным. И что всё гениальное — просто, потому что сюжет у фильма действительно незатейливый: ребёнок укрывает у себя забавного инопланетянина, заводит с ним дружбу и помогает ему вернуться к своим. По сути — очередная вариация на тему «мальчик и его собака».

Но, как уже было сказано, история вышла достаточно новаторская. Во-первых, классические сюжеты обычно описывают попадание людей на чужие планеты, и развернуть ситуацию на 180 градусов — необычное решение. Во-вторых, то, что зловещие пришельцы, которыми столько лет пугали фермерских детишек, могут на самом деле быть милыми и забавными, — расширяющая сознание мысль для начала восьмидесятых.

Со временем лента обрела ещё одно важное свойство. Не так много произведений бережно и точно передают атмосферу своего времени — и ещё меньше делают это с позиции ребёнка. И в этом «Инопланетянин» бесценен: если вы хотите окунуться в восьмидесятые, какими они были для детей и подростков, сложно найти для этого более подходящее кино. У нас, конечно, теперь есть «Оно», «Супер 8» и «Очень странные дела», — но они лишь реконструируют атмосферу, поскольку снимались значительно позже.

То, что фильм стал культовым, однажды вышло Спилбергу боком. Когда он решил к двадцатилетию картины подредактировать одну из сцен, заменив оружие в руках агентов на рации и фонари, это вызвало у фанатов бурю негодования, сопоставимую со скандалом «Хан Соло стрелял первым». Понять Спилберга можно: за двадцать лет многое изменилось, и выставлять полицию готовой стрелять по детишкам в фильме с рейтингом «6+» стало перебором. Но фанатский бунт принёс плоды — в переиздании 2012 года оружие вернули.

Несмотря на привязку к конкретной эпохе, «Инопланетянин» прошёл проверку временем. Если вы ищете доброе кино для семейного просмотра, лента Спилберга наверняка окажется в первой тройке.

Автор текста: Евгений Пекло
Источник: 150 фантастических фильмов, которые стоит посмотреть

Другие материалы:

Показать полностью 2
Инопланетянин 1982 Стивен Спилберг Фильмы Культовое Длиннопост
1
7

Предтечи* фантастики — Оскар Уайльд. Портрет Дориана Грея⁠⁠

Этот роман, впервые опубликованный в журнале Lippincott’s в 1890 году, поднял настоящую бурю в чопорном болоте викторианского литературного сообщества.

Парадоксально, но Оскара Уайльда обвинили в аморальности из-за его самого, пожалуй, моралистичного произведения — романа-притчи с очень внятным этическим посылом. Фантастический элемент в этой истории всего один, и он прекрасно работает на сюжет — без него бы романа просто не было.

Истоки уайльдовской притчи - в готической прозе эпохи романтизма, но не только. Волшебный портрет - дальняя родня шагреневой кожи из одноимённого романа Оноре де Бальзака, которая, исполняя желания своего владельца, становилась все меньше и меньше. А история Дориана Грея, сгоряча пообещавшего продать душу ради сохранения вечной молодости, напоминает историю Фауста. Пусть здесь нет подписанного кровью контракта, зато есть своя Маргарита - актриса Сибилла Вэйн, которую обольстил и погубил наш ветреный герой, и свой Мефистофель - сэр Генри, обаятельный гедонист и циник, соблазняющий Дориана всеми запретными удовольствиями, какие только изобрело человечество.

Однако роман Уайльда был не только данью классике. Для современников он был остроактуальным текстом, который мог бы стать одним из манифестов модернизма, но вместо этого уверенно спорил с ключевыми его тезисами - точнее, превращал их в вопросы. Возможно ли «искусство ради искусства», может ли красота быть самоцелью, стоит ли отделять личность автора от его произведения? Сложно не поддаться искушению принять сэра Генри, с его чеканными афоризмами и эпатажным образом жизни, за альтер эго самого Оскара Уайльда, сноба и денди с подсолнухом в петлице.

— Как это печально! — прошептал Дориан Грей, всё ещё не отрывая глаз от собственного портрета. — Как это печально! Я состарюсь, стану уродливым и отвратительным, а этот портрет останется вечно юным. Он никогда не будет старше, чем в этот июньский день. О, если бы можно было сделать иначе! Если бы я мог навсегда остаться юным, а старился бы мой портрет! За это... за это... я отдал бы всё! Да, за это я не пожалел бы ничего на свете. За это я дал бы свою душу.

Переводчик М. Абкина

Но, конечно, самое интересное в «Портрете Дориана Грея» - это сам портрет. На нём оставляют отпечатки все грехи его вечно юного и прекрасного владельца - от злоупотребления опиумом до убийства. Портрет становится для Дориана истинным зеркалом - не тем, что отражает его безупречную внешность, а тем, что позволяет заглянуть в душу. И смотреть в это зеркало с каждой страницей романа всё невыносимее и читателям, и самому герою - так что финал закономерен.

«Портрет Дориана Грея» и сам стал для себя таким портретом: обрастая с годами разнообразными трактовками, как это неизбежно случается с классикой, он остаётся вечно юным и свежим. Проза Оскара Уайльда, изысканная и искромётная, отлично читается и сейчас, а ехидные афоризмы сэра Генри хочется цитировать - разве что не стоит пытаться воплощать его философию в жизнь. Разницу между реальностью и искусством Оскар Уайльд, с его трагической биографией, на самом деле прекрасно понимал.

Автор текста: Светлана Евсюкова
Источник: 116 главных фантастических книг

Другие материалы:

Показать полностью 1
Портрет Дориана Грея Книги Оскар Уайльд Классика Литература Длиннопост
0
1425

Английский джентльмен и главный хулиган — фильмы Гая Ричи от худшего к лучшему⁠⁠

Нет иностранного режиссера, более почитаемого на постсоветском пространстве, чем Гай Ричи. Наш зритель смотрит его фильмы с удовольствием, неважно, очередная это криминальная комедия или студийный блокбастер с россыпью звезд. Посмотрим на фильмографию режиссера непредвзято и оценим все 14 картин, включая новейшую — военный боевик «Переводчик».

14. «Унесенные» / Swept Away (2002)

«Унесенные» стали оглушительным провалом. Фильм прокляли, кажется, все: как фанаты Мадонны, так и Ричи, которому по сей день припоминают то давнее помутнение рассудка. 

13. «Револьвер» / Revolver (2005)

Кино начинается с четырех мудрых цитат подряд. Потом появляется усатый патлатый Джейсон Стейтем в роли откинувшегося из тюрьмы шулера и продолжает разговаривать сомнительной глубины афоризмами. Набор несвязных псевдофилософских умозаключений, которые утяжеляются режущим глаза монтажом и лихорадочным, скачущим повествованием. Даже если смотреть «Револьвер», не моргая и записывая все сюжетные ходы, в конце так и напрашивается вопрос: «А о чем, собственно, этот фильм?»

12. «Операция "Фортуна": Искусство побеждать» / Operation Fortune: Ruse de Guerre (2023)

Джейсон Стейтем играет элитного мирового шпиона Орсона, которому поручают собрать команду агентов и сорвать продажу супероружия. На выходе получилась двухчасовая реклама винных напитков в форме откровенной «бэшки» с несмешными шутками, плохо поставленным экшеном и карикатурными персонажами.

11. «Меч короля Артура» / King Arthur: Legend of the Sword (2017)

История молодого Артура, который узнает о своем королевском происхождении, взяв в руки Экскалибур, стала первым фэнтези для Гая Ричи. На бумаге все выглядело здорово: главный герой — простой уличный хулиган (любимый ричевский типаж в кино), решивший со своей бандой ограбить злого волшебника (буквально переиначенный сюжет «Большого куша»). Но концепт подвело исполнение. Детский рейтинг не позволил режиссеру разгуляться ни в смачных ругательствах, ни в красочном насилии (все это для Средневековья подошло бы как родное). Кино получилось нагроможденным, сумбурным, чрезвычайно темным. Клиповый монтаж испортил боевые сражения, черствый сценарий не спешил раскрывать мир фильма и хоть какого-нибудь второстепенного героя. Зато Чарли Ханнэм сказочно харизматичен в роли Артура, а саундтрек Дэниела Пембертона до сих пор звучит мощно.

10. «Аладдин» / Aladdin (2019)

Любой способный режиссер в конечном счете снимает игровые ремейки для Disney. С Гаем Ричи это произошло в 2019-м — после череды кассовых провалов его назначили на пост режиссера нового «Аладдина». Возможно, аргументировали опять тем, что главный герой — разбойник с улицы, вынужденный воровать на рынке, чтобы выжить. Это, в принципе, единственное, что роднит фильм с ранним творчеством британца. Во всем остальном «Аладдин» — это типичный «диснеевский» блокбастер с кучей графики. Не самый лучший игровой ремейк в их коллекции, но и не самый худший. По крайней мере, от Жасмин в исполнении Наоми Скотт было глаз не оторвать, да и Уилл Смит в роли Джинна был неплох. В планах Гая Ричи еще два проекта для Disney: ремейк «Геркулеса» и сиквел «Аладдина».

9. «Гнев человеческий» / Wrath of Man (2021)

Сразу после развеселых «Джентльменов» Ричи резко убрал улыбку со своего лица и снял брутальный, холодный и невыносимо серьезный боевик «Гнев человеческий». Джейсон Стейтем в нем играет немногословного хмурого бандита, который устраивается инкассатором ради исполнения многоступенчатого плана мести. Попытка режиссера попробовать себя в чем-то новом засчитана, хотя это «новое» — всего лишь имитация кинематографа Крейга Заллера, Майкла Манна и Джона Карпентера, чье «Нападение на 13-й участок» явно вдохновило весь третий акт «Гнева человеческого». Во многом из-за навязчивых ассоциаций с более компетентными представителями жанра данное кино ощущается вторичным. Не помогают картине ни диалоги с сальными шутками, ни дуболомный пафос, ни раздутый для такого сюжета хронометраж. Но перестрелки поставлены грамотно — с этим не поспоришь.

8. «Шерлок Холмс: Игра теней» / Sherlock Holmes: A Game of Shadows (2011)

Сиквел «Шерлока Холмса» мрачнее и сконцентрирован больше на изощренных экшен-сценах, нежели на детективной составляющей. Тем не менее «Игра теней» оставляет приятное впечатление незамысловатого приключенческого блокбастера. В этот раз Шерлок Холмс (Роберт Дауни — младший) и доктор Ватсон (Джуд Лоу) вступают в смертельную схватку со своим заклятым врагом профессором Мориарти (Джаред Харрис). К видам викторианского Лондона добавилось путешествие по Европе конца XIX века, из-за чего сиквел, вне всяких сомнений, визуально лишь обогатился. Обидно за Рэйчел Макадамс, чью Ирен Адлер оставили за бортом буквально в самом начале фильма, однако за цветущим на экране бромансом Дауни и Лоу можно наблюдать все так же бесконечно.

7. «Переводчик» / The Covenant (2023)

За просмотром «Переводчика» не покидает сомнение: а точно ли фильм Гая Ричи мы смотрим, а не какого-нибудь Питера Берга? Для британца вторая картина за 2023 год сильно отличается от первой и вообще от всего, что режиссер снимал раньше. Это полноценный военный боевик про американского солдата Джона Кинли (Джейк Джилленхол) в Афганистане, жизнь которого после стычки с противником спас местный переводчик Ахмед (Дар Салим). Ричи сделал работу над ошибками после «Гнева человеческого» и снял брутальное мужское кино без сбивающих настрой шуток и сомнительных сюжетных поворотов. «Переводчик» — это прямолинейный военный экшен со зрелищными перестрелками, основанный на реальных событиях. Идея фильма заключается не в романтизации войны или американской армии, а в рассказе мужской истории про то, что настоящий друг в беде никогда не бросит. Нетипично для Ричи, но как кино очень даже хорошо. Дар Салим — открытие фильма.

6. «Рок-н-ролльщик» / RocknRolla (2008)

«Настоящему рок-н-ролльщику нужно все!» — этой фразой открывается один из самых недооцененных фильмов Ричи. И в «Рок-н-ролльщике» действительно есть все: актерский состав из самых популярных британцев на момент премьеры (Батлер, Эльба, Стронг, Харди, Кеббелл), фирменный черный юмор, много музыки и брани, увлекательный сюжет. Гангстерская мозаика Ричи, по форме напоминающая современный городской вестерн, разбита на несколько взаимосвязанных сюжетных линий про мелких бандитов, каждый из которых пытается договориться с главным лондонским мафиози (неотразимый Том Уилкинсон). Здесь мы снова наблюдаем драйв криминальных будней «Большого куша», где один персонаж красноречивее другого.

5. «Шерлок Холмс» / Sherlock Holmes (2009)

Путь Гая Ричи в большом студийном кино начался с «Шерлока Холмса». Фильм буквально на полгода опередил британское переосмысление истории величайшего сыщика с Камбербэтчем, и эта проворность, безусловно, американцам сыграла на руку. В своем «Шерлоке» Ричи хорошенько похулиганил и с образом главного героя (если надо, его Холмс запросто пропишет кулаком в челюсть), и с каноническими сюжетами Конан Дойля. Много фирменной «грязной» эстетики британских улиц, хлесткий юмор, безудержный клиповый монтаж, рифмующийся с молниеносными дедуктивными способностями Холмса. Сюжет про воскресшего из мертвых чернокнижника до самого конца играет со зрителем в кошки-мышки: это мистика или хитрые манипуляции преступного гения? Дауни-младший в образе Железного человека, застрявшего в викторианском Лондоне, и Джуд Лоу, в кои-то веки не переигрывающий, стали той еще экранной парочкой и чуть ли не главной причиной успеха фильма.

4. «Агенты А.Н.К.Л.» / The Man from U.N.C.L.E. (2015)

Шпионская ретро-комедия «Агенты А.Н.К.Л.» — жемчужина в фильмографии Гая Ричи. Кино со своим невероятным стилем, грацией и гипнотической актерской химией. Кавилл буквально сияет от лоска в роли элегантного афериста из ЦРУ, Арми Хаммер блестяще отыгрывает неуравновешенного русского шпиона из КГБ, Алисия Викандер – бойкая и сумасбродная британка, не дающая этим двум бугаям перетянуть все внимание на свои уморительные перепалки. Тот случай, когда у Ричи все актеры на своих местах, знают, что делать, и наслаждаются каждой проговариваемой строчкой диалога. Экшен-сцены не повторяются и не утомляют, иронично поданный сеттинг холодной войны и мелодичный саундтрек Пембертона превращают «Агентов» в приключенческое кино высшего порядка. Как жаль, что финальные сборы и перестраховка студийных боссов лишили нас сиквела одного из лучших фильмов Гая Ричи.  

3. «Джентльмены» / The Gentlemen (2020)

«Джентльмены» заслуживают каждую крупицу той зрительской любви, в которой фильм обваляли в год выхода, хотя бы за то, что они вернули нам старого доброго Гая Ричи. Того самого Гая Ричи, который мог элегантно развернуть бережно сложенную сценарную самокрутку в увлекательное гангстерское полотно в духе его же культовых кино-авантюр. Сюжет «Джентльменов» типичен для Ричи: есть один магнат, у которого денег куры не клюют, и есть те, кто хочет прикарманить все его финансы. Цимес отнюдь не в сюжетной завязке, а в гиперактивной подаче, искусном сценарии и галерее выразительных личностей. Будь то броский внешний вид или остроумная реплика, Гай Ричи умеет писать запоминающихся персонажей минимумом художественных средств. И «Джентльмены» — хрестоматийный тому пример. Холеный МакКонахи, нервный Ханнэм, пронырливый Грант или стильный Фаррелл — каждый из них по-своему великолепен.

2. «Большой куш» / Snatch (2000)

Если бы вы ставили на победу «Большого куша» в нашем рейтинге, то проиграли бы. Но ничего, героям визитной карточки Гая Ричи тоже часто не везло. Например, четырехпалый Фрэнки должен был переправить краденый алмаз из Англии в США, но не смог пройти мимо боксерского поединка и ставки, как ему сказали, на заведомого победителя. Тут все как закрутилось: евреи, русские, цыгане, местные головорезы  весь колорит английского дна вышел на охоту за алмазом. Собрав звездный актерский состав (Стейтем, Бенисио Дель Торо, Стивен Грэм, Брэд Питт в роли грязного цыгана), Ричи взял безупречно сработавшую формулу своего дебюта и придумал еще одну закрученную криминальную сагу. Фильм разлетелся на цитаты (во многом благодаря переводу Дмитрия Пучкова, ставшего венцом пиратских локализаций эпохи VHS), персонажи ушли в народ, Гай Ричи в одночасье стал главным хулиганом от мира кино.

1. «Карты, деньги, два ствола» / Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998)

Без «Карт, денег, двух стволов» не было бы ни «Большого куша», ни в целом Гая Ричи. В этом фильме режиссер изобрел себя, и все фирменные мотивы, художественные приемы и манипуляции с нарративом в последующих работах — лишь вариации того, с чем он взорвал малобюджетный авторский кинематограф в далеком 1998 году. Четверо неудачников задолжали матерому преступнику полмиллиона фунтов. Срок вернуть долг — неделя. Парни начинают думать, где бы по-быстрому срубить куш. В итоге придумали ограбить других преступников, решивших, в свою очередь, ограбить безобидных «ботанов», которые тихо-мирно выращивают марихуану для какого-то там наркобарона. Казалось бы, что тут может пойти не по плану?

Бешеный ритм, нелинейное повествование, убойный черный юмор, броские диалоги тут же надоумили многих окрестить «Карты, деньги...» английским ответом «Криминальному чтиву». Но на самом деле фильмы принципиально разные: Тарантино снял шедевр постмодернизма, в то время как Гай Ричи — абсолютную «пацанскую» классику криминального жанра и звонкую симфонию преступного Лондона под радикально свежий для тех времен клиповый монтаж.

Автор текста: Вадим Богданов
Источник: https://www.pravilamag.ru/entertainment/699019-angliiskii-dj...

Другие материалы:

Показать полностью 14
Фильмы Гай Ричи Подборка Длиннопост
184
Отличная работа, все прочитано!