
Культурное сообщество
Что гениального в «Моне Лизе». Почему эта картина так популярна
«Мона Лиза» – одна из самых известных картин в мире, написанная итальянским художником Леонардо да Винчи в начале 16 века. Картина считается гениальной из-за многих факторов:
1. Техника письма: Леонардо использовал технику «сфума́то», которая позволяет создавать плавные переходы между цветами и тонами, создавая иллюзию объема и глубины.
2. Эмоциональная глубина: лицо Моны Лизы выражает сложную смесь эмоций, которые невозможно однозначно определить. Это вызывает интерес и восхищение у зрителей.
3. Загадочность: картина вызывает много вопросов и оставляет много загадок, например, почему Мона Лиза улыбается или что означает ее поза.
4. Историческое значение: картина создана в эпоху Возрождения, когда искусство и наука переживали свой расцвет. Она является символом этого времени и его культурных достижений.
Все эти факторы делают «Мону Лизу» уникальной и привлекательной для зрителей. Кроме того, многие известные личности и события связаны с этой картиной, что только усиливает ее популярность.
Вместе с тем, есть мнение, что Мона Лиза стала всемирно известной только после ее кражи в 1911 году. В Америке подобные события называют паблисити.
Паблисити не возникает на пустом месте. Преступления и катастрофы в нашем мире случаются ежедневно, с большим или меньшим числом жертв, большей или меньшей стоимостью предметов кражи. Этим тоже никого не удивишь. Лишь бинарная составляющая – преступление и достойное внимания пострадавшее лицо – влекут за собой интерес к событию и его личностям. Событие и его участники в один день становятся знаменитостями, как и прочие факты и элементы, непосредственно относящиеся уже к участникам события.
Кто бы знал во всём мире Петербургскую балерину Кшесинскую, если бы она не была любовницей Российского Императора Николая II Романова, расстрелянного вместе со всей семьёй в революционной России?
Как знать, как бы мы относились к великим поэтам Пушкину и Лермонтову, если бы они безвременно не погибли на дуэлях?
И кто теперь не знает пушкинских строк: "Я помню чудное мгновенье..."!
А его ода "Вольность", где строки: "…Самовластительный злодей! Тебя, твой трон я ненавижу! Твою погибель, смерть детей с жестокой радостию вижу!.." – сбывшееся в будущем буквально до буквы пророчество.
Продолжать с примерами можно еще долго. Поневоле задумаешься: в великих событиях, оставшихся в истории и культуре народов, нет мелочей, это только камешки, из которых и выстроена наша цивилизация. И этим камешкам нет цены.
Не будь "Моны Лизы" мы были бы беднее. И даже не представляем ещё, насколько беднее!
Почему на классической гитаре шесть струн
Такое строение считается самым гармоничным и образцовым.
Количество струн и ладов охватывает самый оптимальный диапазон звучания, которого вполне хватает для художественно-исполнительских возможностей, и предоставляет широкий тембр звучания.
Классика легче других видов гитар в освоении, но это ничуть не умаляет её возможностей. Разве что, с "дворовым" и бардовским песнопением хуже акустики справляется. Но акустика – это модернизированный вариант классики.
Неспроста за свою долгую историю этот инструмент, в итоге, приобрёл такое строение с 6-ю струнами, 12 ладами и стал считаться классическим, получив всеобщее признание. Эксперименты по созданию, к примеру, девяти-, пятнадцати-струнных гитар не получили широкого распространения. Поскольку разнообразить звучание можно с помощью иного музыкального инструмента, который ещё больше и лучше обогатит звучание.
Гитара с большим количеством струн довольно трудна в освоении и зачастую не раскрывает богатый потенциал гитарного звука, вообще. Особенно для неискушённого слушателя.
Поиск иных форм звучания может быть если не простым, то уж точно более эффективным посредством других видов инструмента (электро, бас) или аксессуаров к ним.
Изначально то, что мы сейчас называем "классической гитарой", было пятиструнным инструментом. Это было развитием популярного в Испании и Италии народного инструмента "виуэла" в сторону более сильного и глубокого звучания.
Итальянская школа виртуозов-импровизаторов на гитаре XVII-XVIII веков сделала этот инструмент популярным в Европе, тогда же гитарой стали интересоваться композиторы, писать для нее произведения и т.д. Именно в этой школе стало популярным добавлять (для расширения диапазона звучания) шестую, самую низкую струну (изначально - без изменения строя остальных пяти струн, просто дырку дополнительную сверлили в грифе и вставляли дополнительный коло́к). Поскольку именно на такой модификации играли (и учили играть) тогдашние виртуозы, для нее и стали писать пьесы.
А в середине XIX века Антонио де Торрес Хурадо разработал дизайн того, что сейчас называется "классической гитарой" - более крупный корпус, более тонкая дека и изначальная шестиструнная конструкция. Гитарами этой конструкции пользовались практически все классические гитаристы начиная со второй половины XIX века.
Кстати, в России с конца XVIII - начала XIX века была очень распространена, да и сейчас еще популярна, семиструнная модификация, т.н. "русская семиструнная гитара", в которой добавлена еще более низкая струна и изменен весь строй. Ее изобретатель, Андрей Сихра, хотел сделать гитару инструментом близким к арфе по арпеджиатуре. На мой вкус звучание у этой гитары более интересное и приятное, чем у шестиструнной (особенно при исполнении романсов и т.п. мелодий на гитаре-соло), но это уже дело вкуса.
Седьмую струну на такой гитаре иногда называют цыганской, потому что несколько семиструнных гитар и скрипка составляли салонно-таборные "оркестры" цыган.
Проблема добавления к гитаре большего количества струн заключается в том, что конструкционно это предполагает либо увеличение ширины грифа, либо уменьшение расстояния между струнами на нем. И то и другое делает игру на гитаре менее удобной. Таким образом, хотя формально диапазон звучания и выразительные средства расширяются, фактически возможности для исполнителя уменьшаются из-за конструкционных сложностей. Поэтому эксперименты с дальнейшим увеличением количества струн не получили поддержки у исполнителей и композиторов.
Популярные крылатые фразы и их значение в современном мире
Наверняка читателям знакома сказка Ганса Христиана Андерсена «Новое платье короля»? Два плута взялись соткать для короля тончайшую материю, а затем сшить из неё платье. Ткань эта, как уверяли мошенники, волшебная. Её могут видеть лишь умные люди, достойные своей высокой должности. Вскоре ткачи принесли королю свою работу — «ничто», пустоту вместо ткани. Однако король и все окружающие громко восхищались изяществом наряда — ведь иначе они бы прослыли дураками. Так было до тех пор, пока король, сопровождаемый свитой, не отправился гулять нагишом по городу. Один мальчишка, который не подозревал, в чем тут дело, захохотал и закричал: «А король-то голый!».
Так, с легкой руки знаменитого датского сказочника, пошла гулять по свету крылатая фраза: голый король. Её стали употреблять в тех случаях, когда вдруг обнаруживается, что достоинства какого-либо человека оказались мнимыми, качества — показными, авторитет — незаслуженным.
В «Золотом теленке» И. Ильфа и Е. Петрова прохвост Скумбриевич сердится на привереду, не желающего получать в учреждении «Геркулес» зарплату за безделье. «Вот, действительно, склочная натура! - негодует он… - К нему надо применить репрессии. Я как-нибудь скажу Полыхаеву. Тот его живо в бутылку загонит».
Странное выражение, не правда ли? Многие думают, что его выдумали Ильф и Петров. Но это не так. Просто они использовали уже давно употребляемые слова, пришедшие из арабского сборника сказок «Тысяча и одна ночь». Имя их сочинителя неизвестно, но когда их перевели на русский язык, многим запомнилась «Сказка о рыбаке». Бедный рыбак много раз вытягивал из моря сети пустыми. Наконец ему повезло, и он выловил медный, запечатанный свинцом кувшин. На свинце была оттиснута печать великого волшебника - царя Сулеймана. Вырезанное на ней таинственное и страшное слово давало чародею великую власть над злыми духами — джиннами. С испуганным рыбаком случилось то, что позднее приключилось с Волькой ибн Алёшей из книги писателя Лагина «Старик Хоттабыч». Едва он откупорил сосуд, как оттуда вырвалась струя дыма. Дым вознёсся до облаков и превратился в гигантского джинна, которого некогда за строптивость и ослушание разгневанный волшебник заключил в медный сосуд (загнал в бутылку). Подобное обращение со злыми духами было, если верить легендам, свойственно этому царю: он наказывал упрямцев именно таким способом. Теперь, думаю, читателям понятно, откуда пришло в голову Скумбриевичу это странное выражение, которое он употребил в смысле: призвать к порядку, заставить смириться.
Как-то раз знаменитый баснописец Иван Андреевич Крылов пришёл в один дом, где собирались поэты, чтобы читать друг другу свои стихи. Слушал Крылов, слушал, в конце концов даже утомился от их скучных и нудных стихов. А вскоре написал басню, в которой высмеял бездарных стихоплётов. Называется она «Демьянова уха». Демьян назойливо потчует своего соседа Фоку ухой. Поначалу тот ел с охотой, потом почувствовал сытость, затем пресыщенность, а после очередной «добавки» — отвращение. И несчастный сосед:
Схватя в охапку
Кушак и шапку,
Скорей без памяти домой-
И с той поры к Демьяну ни ногой.
В конце басни Крылов выводит мораль:
Писатель, счастлив ты, коль дар прямой имеешь;
Но если помолчать во время не умеешь,
И ближнего ушей ты не жалеешь, -
Так ведай, что твои и проза и стихи
Тошнее будут всем Демьяновой ухи.
Повод, по которому была написана басня, забылся. Но слова Демьянова уха мы часто произносим, когда хотим сказать о чьём-либо назойливом приставании пусть с добрыми, но совсем ненужными намерениями.
Всем известны и другие иносказательные выражения, дошедшие из басен Крылова: А Васька слушает, да ест (имея в виду, что один понапрасну впустую тратит слова на убеждение, а другой, уверенный в безнаказанности, продолжает заниматься постыдным делом); или: А ларчик просто открывался (то есть, зачем было мудрить тогда, как все это решается очень легко?); или: Слона-то я и не приметил! (т.е. заметил мелочи, но не увидел самого главного, существенного).
Из этих же басен вошли в нашу речь такие крылатые слова, как: Рыльце в пушку; И я его лягнул; Ай, Моська! Знать, она сильна, что лает на Слона; Кто в лес, кто по дрова; Кукушка хвалит Петуха за то, что хвалит он Кукушку; Лебедь, Рак да Щука; Медвежья услуга; Львиная доля (из басни «Лев на ловле», где по окончании охоты Лев берётся делить добычу):
Вот эта часть моя по договору;
Вот эта мне, как Льву, принадлежит без спору;
Вот эта мне за то, что всех сильнее я;
А к этой чуть из вас лишь лапу кто протянет,
Тот с места жив не встанет.
Таким образом, выражение Львиная доля означает бо́льшую часть чего-либо (либо вообще всё).
Подобные басни встречаются у каждого крупного баснописца. Прославленный французский баснописец Жан Лафонтен, живший задолго до Крылова, назвал свою басню: «Тёлка, Коза и Овца в содружестве со Львом». Сходные басни рождались под пером русских писателей Тредиаковского, Сумарокова, Хемни́цера. Кто же был первым из тех, кто в поэтической форме так замысловато аллегорично - рисуя зверей, а имея в виду людей - поведал о несправедливости, царящей в свете? Это был полулегендарный Эзоп, древнегреческий баснописец. Было это два с половиной тысячелетия назад. А басню свою он озаглавил так: «Лев, Лисица и Осёл».
Можно ли сказать, что эти известные фразы возникли лишь из творчестве баснописцев? Оказывается, это не так. Тема несправедливости сильных и могущественных людей давно занимала мир.
Вспомним хотя бы крылатую фразу «Горе побеждённым!». В 390-м году до н.э. вождь племени Сенонов, Бренн, захватил Рим. Последние защитники Вечного города оказались в осаде на Капитолийском холме. Осада длилась несколько месяцев. В конце концов Сенат согласился признать поражение и выплатить огромную контрибуцию в виде 1000 фунтов золота. Когда золото стали взвешивать, Бренн бросил на ту чашу весов, где находились гири, свой меч. А на возражения римлян ответил: «Горе побеждённым!»).
Выражения, которые мы то и дело употребляем в разговоре (к сожалению, сегодня, при падении общего уровня грамотности и культуры, не всегда к месту или даже в искажённом виде), пришли также из песен, пословиц и поговорок, сложенных в народе. Вот почему так трудно, а зачастую и невозможно определить их творцов. Поэтому их попросту называют народными.
Если Вам от чего-нибудь досталась очень малая, ничтожная часть (чем Вы не персонаж из только что описанной сцены львиного дележа?), Вы можете посмеяться над собой: Вам достались рожки да ножки. Тем самым Вы повторите слова из давней песенки неизвестного происхождения, которая начинается весело: «Жил-был у бабушки серенький козлик». А кончается печально: «Напали на козлика серые волки…, оставили бабушке рожки да ножки».
Бывают всё же счастливые исключения: учёным удалось определить автора едкой «Песни про сражение на реке Чёрной». В ней высмеивались бездарные планы бездарных генералов. Начиналась она так:
Гладко было на бумаге,
Да забыли про овраги.
А по ним ходить,
А по ним ходить…
Эта песня была откликом на серьезные просчёты русского командования в Крымскую войну 1853–1856 годов. Тогда России пришлось сражаться против четырёх держав: Англии, Франции, Турции и Сардинии. На втором месяце обороны Севастополя штаб русской армии разработал план взятия Федюкиных гор. Однако битва закончилась поражением при речке Чёрной. Несмотря на беззаветный героизм русских солдат, война была проиграна, в первую очередь, из-за беспорядков в управлении. Есть мнение (и оно имеет право на существование), что тяжелейшая депрессия (а депрессии сильно снижают иммунитет организма) от поражения в Крымской войне стала одной из причин ухода из жизни в 58 лет императора Николая I. Уже в наше время установлено, что автором песни был участник обороны Севастополя, артиллерийский офицер, будущий великий русский писатель Лев Николаевич Толстой. Песня обошла всю Россию. Начальные строки, особенно первая: Гладко было на бумаге, стали общеупотребительными.
Вспомним теперь несколько крылатых слов, что вошли в нашу речь из других литературных источников, имеющих своего автора.
«— А что, паны? — сказал Тарас, перекликнувшись с куренными. — Есть ещё порох в пороховницах? Не ослабела ли козацкая сила? Не гнутся ли козаки?
— Есть ещё, батько, порох в пороховницах. Не ослабела ещё козацкая сила; ещё не гнутся козаки!»
Трижды задаёт этот вопрос свободолюбивым казакам их военачальник Тарас во время схватки с польскими угнетателями. И даже тогда, когда уже сильно поредели казацкие ряды и многих храбрых воинов лишилось Тарасово войско, неслось ему в ответ:
— Есть ещё порох в пороховницах!
Это выражение из повести Н.В. Гоголя «Тарас Бульба» стало крылатым и означает: есть ещё мужество, энергия, запас душевных сил.
Лет сто пятьдесят назад Фенимор Купер написал увлекательный роман «Последний из могикан». В нём американский писатель рассказал о героической судьбе последнего представителя племени североамериканских индейцев-могикан, истребленного «бледнолицыми» - европейскими колонизаторами. Теперь словами Последний из могикан называют последнего представителя какой-нибудь группы людей (не обязательно связанной с национальной, расовой и т.п. характеристикой человека).
Есть такое выражение: Унтер-офицерская вдова сама себя высекла. Говорят ещё: Она сама себя высекла или Высечь самого себя. Все они возникли от несколько измененных слов, которыми Городничий в бессмертной комедии Н.В. Гоголя "Ревизор" оправдывается перед Хлестаковым:
«Унтер-офицерша налгала Вам, будто бы я её высек; она врёт, ей-богу, врет. Она сама себя высекла». Так иронически или шутливо говорят о человеке, который, сам того не желая, изобличил себя в дурном поступке, себе же причинил неприятности.
Берутся ли ещё откуда-нибудь такие меткие слова, образные выражения? Да, есть ещё немало речевых потоков, поставляющих такие «двусмысленные» слова в море великой русской речи. Один из таких источников - религиозные книги, которые в течение сотен лет священники и монахи читали и пересказывали верующим. И в наше время люди, уже начисто забыв о легендах и притчах, то и дело употребляют взятые из них выражения.
Другой источник - трогательные и порой наивные истории, поверья, мифы, крылатые слова, сложенные в Древней Греции и Риме - центрах античной культуры. Все мы, и не раз, использовали эти выражения.
В допотопные времена. Всемирный потоп. Ноев ковчег. Всякой твари по паре.
Эти выражения связаны с библейской легендой о Всемирном потопе.
Даже сегодня мы произносим: до потопа или в допотопные времена, когда хотим сказать: это было давным-давно, в незапамятные времена. Слышим шутливое Всемирный потоп и понимаем, что речь идёт о сильном и длительном дожде или о наводнении (а порой и о том, что кто-то залил соседей снизу). Отчетливо улавливаем иронию в словах Ноев ковчег, которыми Ваш собеседник образно охарактеризовал битком набитое помещение, где собрались разные случайные люди. Сами, применительно к пестрому и шумному обществу, к разношерстной компании, можем употребить фразу: «Там собралось Всякой твари по паре».
Натурщицы великих художников
Чтобы красавицы на холсте выглядели убедительно, писать их желательно с натуры. Вспомним несколько историй девушек, подаривших свой облик великим полотнам, и отметим, что некоторые из них сильно отличались в морально-нравственном плане от тех образов, в которых были запечатлены на полотнах великих художников.
1. Венера
В 1469 году наследник знатного рода Марко Веспуччи привез в родной город молодую супругу Симонетту, которая своей красотой и обаянием моментально покорила сердца любвеобильных флорентийцев. Её прославляли на полотнах художники, стихотворцы слагали песни. Венера, Мадонна… - каких только имен не удостаивалась прекрасная Симонетта.
Особенно благоволил красавице Джулиано Медичи – младший брат Лоренцо Великолепного. Любовь молодых людей была непорочна. Ситуация для той эпохи, да ещё учитывая статус семейства Медичи во Флоренции, редкостная. Но Медичи высоко ценили дружбу с семейством Веспуччи, поэтому Джулиано приходилось довольствоваться малым – он превозносил свою прекрасную даму в стихах и сражался за неё на турнирах.
К несчастью, роману флорентийских Марса и Венеры не суждено было продлиться долго. Прекрасная Симонетта медленно угасала от чахотки, в 1473 году её не стало. А три года спустя от рук заговорщиков, пытавшихся захватить власть в республике, погиб и Джулиано.
Вся Флоренция оплакивала смерть своих любимцев. Но больше других скорбел Сандро Боттичелли. Ещё при жизни Симонетты он запечатлел её тонкий профиль в образе Афины Паллады на рыцарском знамени Джулиано. А после смерти девушки практически все женские образы на полотнах Боттичелли приобрели её черты.
Неизвестно, позировала ли когда-нибудь Симонетта художнику, встречала ли она его лично. Однако именно благодаря его «Рождению Венеры» мы всё еще помним облик флорентийской богини.
2. Сикстинская Мадонна
У Рафаэля было много «мадонн». Свою первую Деву с младенцем художник изобразил ещё мальчиком, когда ему было 15, после чего снова и снова возвращался к классическому сюжету. Однако по-настоящему прославил живописца только образ Богоматери, написанный незадолго до его смерти для монастыря Святого Сикста в Пьяче́нце.
Натурщицей для Сикстинской Мадонны стала дочь деревенского пекаря Маргарита Лу́ти. Рафаэль просто-напросто купил у отца девушки право изображать красавицу на своих полотнах. Сделка устроила обе стороны, и Форнари́на (от итал. forno – печь) стала официально музой, а неофициально – любовницей художника. Бесконечно влюбленный Рафаэль множил портреты своей Маргариты.
В то же время сама «мадонна» воспринимала обласканного славой художника исключительно как источник дохода и, пока мэтр пропадал в мастерской, развлекала себя интрижками с его юными учениками.
Этот странный, длившийся почти 6 лет роман прервала смерть мастера. Похоронив Рафаэля, Марго получила причитающуюся по завещанию сумму и отправилась на поиски нового источника финансирования. Говорят, скоро за ней закрепилась слава самой роскошной куртизанки Италии.
Есть и другая, менее живописная версия этой истории: дочь пекаря была беззаветно предана своему возлюбленному, а после его кончины, не справившись с горем, добровольно постриглась в монахини. Но кому интересны такие скучные легенды?!
3. Мона Лиза
«Мона Лиза» или «Джоконда» является, пожалуй, самым до сих пор исследуемым произведением изобразительного искусства всех времен. Загадок у полотна, действительно, хватает. Ученых, искусствоведов и простых обывателей терзает масса вопросов: например, куда делись брови красавицы?
Но больше всего ценителям прекрасного хочется знать, чью улыбку изобразил на холсте великий Леонардо. Согласно официальной версии, на полотне изображена Лиза дель Джокондо, жена флорентийского торговца тканями.
Семья дель Джокондо не могла похвастаться ни крупным капиталом, ни красивой родословной, однако это не мешало Франческо, супругу Лизы, подобно большинству флорентийцев в ту пору, проявлять живой интерес к искусству. Вероятнее всего, предприниматель заказал портрет жены в честь рождения сына.
Есть и другие теории. Например, немецкий историк Магдалена Зест считает, что с картины улыбается одна из самых ярких светских львиц своего времени, внебрачная дочь миланского герцога Катерина Сфо́рца.
Некоторые исследователи считают, что художник написал портрет Изабеллы Арагонской или Чечилии Галлерани, девушки с картины «Дама с горностаем». Исследование внешности Леонардо способствовали появлению на свет еще одной версии – якобы художник изобразил в виде прекрасной Мадонны самого себя.
В 2015 году итальянские ученые вскрыли несколько захоронений в церкви флорентийского монастыря Святой Урсулы и обнаружили женские останки, которые предположительно могут быть останками Лизы дель Джокондо. Возможно, современные методы исследования помогут пролить свет на главную загадку Моны Лизы. Но на данный момент никаких официальных заявлений на эту тему сделано не было.
4. Офелия
Стройная, рыжеволосая, белокожая Элизабет Си́ддал работала модисткой в шляпном магазине в лондонском Ковент-Гардене. Там её впервые увидел прерафаэлит Уолтер Хоуэлл Деверелл и попросил у родителей девушки разрешения позировать ему для картины «Двенадцатая ночь». В его мастерской, по-видимому, с Сиддал познакомились «собратья» Деверелла: Уильям Холман Хант, Джон Эверетт Милле и Данте Габриэль Россетти.
Она же позировала Милле для знаменитой «Офелии», лежа в ванне, обогреваемой лампами, Ханту — для картины «Английское семейство, обращенное в христианство, защищает проповедника этой религии от преследования друидов». Но чаще всего её писал и рисовал Россетти, чьей возлюбленной, ученицей, а затем женой она стала. В его работах Сиддал как будто ускользает: смотрит в сторону, мечтает, задумавшись, словно в трансе или во сне. Он изображал её в разных ролях, самая известная из которых — возлюбленная Данте - Беатриче.
Для лечения простуды после позирования Милле в образе Офелии лекари, нанятые заботливым отцом натурщицы, прописали мисс Сиддал популярное в те годы лекарственное средство лауда́нум - опийную настойку на спирту. Простуда вскоре прошла, зато сформировалась стойкая наркотическая зависимость.
Через десять лет (в 32 года) измученная болезнью (какой – история умалчивает), тяжелым браком с Россетти и депрессией из-за потери ребенка Элизабет нарочно или случайно приняла слишком большую дозу лауданума. Больше она не просыпалась.
Элизабет была неплохо образованна, судя по письмам, отличалась остроумием. С её смертью связана странная легенда. Желая вернуть единственный экземпляр сборника своих стихов, положенных в гроб Элизабет, Россетти поручил своему приятелю и бывшему секретарю Чарльзу Огастесу Хауэллу эксгумировать тело жены. Тот рассказал Россетти, что за семь лет после смерти Элизабет Сиддал не потеряла своей красоты, а её знаменитые рыжие волосы продолжали расти.
5. «Происхождение мира»
В 1819 году в семье крупного владельца виноградников Режиса Курбе, рождается сын, Гюста́в. В семинарии, в родном городе Орнане, куда его пристроили в 1832 году, он вёл себя так плохо, что никто из священников не хотел отпускать ему грехи. Но всё же папочка решает пристроить его в колледж Ройяль в Безансо́не, надеясь, что сынок станет юристом. Гюстав кроме учебы начинает посещать художественную школу. Тут-то искусство его и затягивает. Он уезжает в Париж, где обещает отцу закончить образование юриста, но становится одним из самых знаменитых художников, завершающих эпоху романизма, и ставший основоположником нового жанра - натурализма.
У художника было много картин и ещё больше выставок, но мы поговорим о скандальных картинах в его творчестве и о самой скандальной натурщице, позировавшей ему.
«От какого чудовища мог произойти этот ублюдок? Под каким колпаком, на какой навозной куче, политой смесью вина, пива, ядовитой слюны и вонючей слизи, произросла эта пустозвонная и волосатая тыква, эта утроба, притворяющаяся человеком и художником?», – эмоционально и злобно высказался об этом мастере Александр Дюма-сын.
Я с такой оценкой творчества великого художника категорически не согласен.
Гюстав Курбе создал одну из самых скандальных картин XIX века «Происхождение мира» по заказу турецкого дипломата Халил-Бея, страстного поклонника эротической живописи. Имя модели, позировавшей для полотна, по понятным причинам, не разглашалось. Однако историки и искусствоведы сходятся во мнении, что художник писал картину с Джоанны Хиффернан (Огненной Джо), своей любимой натурщицы.
В 1865 году Джоанна Хиффернан с гражданским мужем (правда, формулировки, таким образом обозначающей личные отношения, в то время ещё не существовало), художником Джеймсом Уистлером, приехала на побережье Нормандии, в городок Трувилль, где жил и работал уже признанный в то время мастер Курбе. Супруг Джо вскоре отправился в Чили, в порт Вальпараисо, опрометчиво оставив свою «прекрасную ирландку» в компании Гюстава (как говорится, доверил козлу капусту).
Написав пару целомудренных портретов, Курбе перешёл в наступление. Вскоре появилась картина «Спящие» - выписанная с характерным для художника натурализмом сцена лесбийской любви, Эта картина известна еще и под другими названиями - "Лень и похоть", "Две подруги".
Энциклопедия истории и культуры геев и лесбиянок (есть и такая энциклопедия) описывает «Спящих» как знаменитое произведение в живописи. Эта картина оказала большое влияние на искусство XIX века: после публичной демонстрации «Спящих» некоторые художники того времени вдохновились изображением лесбийской пары.
Эта картина была первым заказом Курбе от Халил-бея, который предпочитал в искусстве только эротику. Именно эта картина подвигла турка на заказ ещё более откровенного (и скандального) полотна «Происхождение мира», которое долгое время воспринималось обществом как провокация и целых 120 лет (как и «Спящие») не выставлялось на широкое обозрение. Сейчас эта картина выставлена в знаменитом парижском музее импрессионизма д’Орсе и к ней приставлен охранник, чтобы предотвращать бурную реакцию посетителей.
И хотя лицо натурщицы на полотне не изображено, Джеймс Уистлер по возвращению из Вальпараисо немедленно порвал со своей возлюбленной.
Представить здесь копию этой картины невозможно по этическим соображениям, но читатели могут её найти без всяких проблем на просторах интернета.
6. Адель
К 1903 году о романе художника Густава Климта и жены коммерсанта Блох-Бауэра судачила вся Вена. Пару лет тому назад живописец впервые изобразил Адель в образе библейской Юди́фи, и с тех пор она всё чаще появлялась в его мастерской и на его полотнах.
Знал об интрижке и законный супруг Адель – Фердинанд. Здраво рассудив, что убить неверную будет слишком по́шло, а развестись – непрактично (кому охота терять поддержку тестя, особенно если тесть – директор Венского банковского союза), Блох-Бауэр придумал оригинальный способ решения проблемы.
Фердинанд заказал у Климта портрет жены. Согласно условиям контракта, художник обязывался сделать не менее сотни набросков прежде, чем начнет писать на холсте. Оплата за работу была щедрой, а неустойка, в случае, если живописец захочет разорвать контракт, – огромной.
Таким образом находчивый Блох-Бауэр на несколько лет привязал творца к его музе. Дальше произошло неизбежное: ветреный художник скоро устал от своей томной подруги.
Но работу всё же закончил – контракт есть контракт. В итоге заказчик получил всё, что желал – роскошный парадный портрет своей супруги и её разбитое сердце в придачу.




















