«Художники поп-арта создавали образы, которые любой прохожий на Бродвее мог узнать за долю секунды: комиксы, мужские брюки, знаменитости, занавески для душа, холодильники, бутылки с колой — все те великие современные вещи, которые абстрактные экспрессионисты так упорно игнорировали»

Энди Уорхол

Кратко о поп-арте

Представьте себе искусство, которое отражает яркий и динамичный мир рекламы, кино и массовых медиа. Искусство, которое приближает высокую культуру к повседневной жизни. Именно таким стал поп-арт — одним из первых движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством благодаря смелым образам и ярким цветам.

Основные даты: 1955–1965

Ключевые регионы: Великобритания и США

Ключевые слова: Популярная культура, средства массовой информации, культура потребления

Главные художники: Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Олденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни

Истоки поп-арта

Хотя поп-арт часто ассоциируется с Соединёнными Штатами, его корни уходят в послевоенную Великобританию конца 1950-х годов. В 1952 году в Лондоне группа художников, писателей и критиков, известная как «Независимая группа» (IG), начала обсуждать пути объединения искусства и жизни. Они стремились внедрить в художественную практику элементы визуальной культуры, которые стали неотъемлемой частью повседневности: от упаковки товаров до образов кинозвезд.

Ключевым моментом стала выставка группы «Это — завтра» в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году. Она продемонстрировала беспрецедентное слияние искусства и современной жизни, став важной вехой в развитии поп-арта.

В США в те же годы поп-арт возник как реакция на абстрактный экспрессионизм, доминирующий в то время. Отвергая идею искусства как выражения индивидуального гения, поп-художники вновь ввели в искусство образы реальности через использование повседневных предметов. Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг стали пионерами этого движения в Америке. Джонс исследовал границы между искусством и обыденностью, буквально внедряя предметы повседневной жизни в свои картины. Раушенберг представлял «вещи, которые разум уже знает», используя повторяющиеся концепции и популярные образы в своих работах.

Почему поп-арт важен?

Поп-арт изменил представление о том, что может считаться искусством. Он стер границы между «высокой» и «низкой» культурами, открыл новые возможности для художников и повлиял на последующие поколения. Сегодня его наследие можно увидеть повсюду — от современного искусства до дизайна и рекламы.

Ключевые идеи поп-арта

Поп-арт возник в середине XX века как смелый вызов традициям искусства, стремясь стереть границы между «высокой» культурой и массовым потреблением. Он отражал мир, наполненный яркими образами рекламы, комиксов и популярных знаменитостей, превращая повседневную реальность в вдохновение для художников.

Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, комиксов, кино и телевидения. Их работы были полны юмора, остроумия и иронии, одновременно празднуя и критикуя популярную культуру. Например, Энди Уорхол прославился своими изображениями консервных банок Campbell's и портретами знаменитостей, а Рой Лихтенштейн — картинами в стиле комиксов с использованием точек Бен-Дея.

Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году точно описал сущность поп-арта, перечислив его характерные черты: «Поп-арт — популярный, мимолётный, остроумный, быстрозабываемый, сексуальный, молодой».

Поп-арт сделал эстетику обыденного своим фирменным знаком. В эпоху массового производства и быстрых развлечений художники обращались к самым простым объектам и образам. Банки из-под супа Campbell's в работах Энди Уорхола и сияющая улыбка Мэрилин Монро стали иконами, переосмысленными в художественном контексте. Таким образом, поп-арт исследовал коммодификацию славы и влиял на то, как мы воспринимаем знаменитостей и потребительские товары.

Элементы множественности и репродукции, присущие массовой культуре, отразились и в художественных техниках. Акриловые краски позволяли создавать яркие, плоские поверхности, а техника трафаретной печати — смелые цветные изображения с повторяющимися узорами. Это подрывало традиционные представления о живописи как об уникальном средстве самовыражения, вводя концепцию искусства как продукта массового производства.

Что делает поп-арт таким разным, таким привлекательным?

Переосмысление привычного: игра с образами массовой культуры

Для поп-арта нет границ между высоким и низким. Художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, брали образы из повседневной жизни — упаковки продуктов, рекламу, изображения знаменитостей — и превращали их в художественные шедевры. Повторение и манипуляция этими знакомыми изображениями не только подчеркивали их влияние на общество, но и бросали вызов традиционным представлениям об оригинальности.

Яркие краски и смелые формы: привлечение внимания через визуальную насыщенность

Поп-арт невозможно не заметить. Его броские, насыщенные цвета и упрощенные графические формы сразу притягивают взгляд. Используя эстетику рекламы и комиксов, поп-художники создавали работы, которые буквально кричали с холста, вызывая у зрителя ощущение динамики и современности. Это было отражением потребительской культуры и стремления к новизне.

Ирония и критика: вызов обществу с улыбкой на лице

За яркими образами поп-арта часто скрывается глубокая ирония. Сочетая несоединимые элементы и переворачивая с ног на голову привычные формы, художники критиковали коммерциализацию и стандартизацию общества. Они задавали неудобные вопросы о том, где проходит граница между искусством и массовым производством, и каким образом культура потребления влияет на нашу жизнь.

Британский поп-арт против американского поп-арта

Хотя британский поп-арт был вдохновлен американской популярной культурой, он часто носил игривый и ироничный характер. Британские художники исследовали, что представляет собой американский образ жизни и как он влияет на общество, иногда с оттенком критики и сарказма.

Для американских художников поп-арт означал возвращение к реальности и репрезентации. Жесткие грани, четкие формы и узнаваемые сюжеты заменили абстрактные идеи предыдущих поколений. Это было отражением непосредственной окружающей среды и культуры. Многие из этих художников имели опыт в коммерческом искусстве: Энди Уорхол работал иллюстратором и графическим дизайнером журналов, Эд Рушей был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник рекламных щитов. Этот опыт дал им уникальный визуальный язык и навыки, позволяющие объединять высокое искусство с популярной культурой, стирая границы между ними.

Шок и восхищение: Поп-арт в глазах критиков и публики

Многие академики и критики были шокированы тем, как поп-художники использовали обыденные предметы в своем творчестве. Их, казалось бы, хаотичное применение повседневных вещей вызывало недоумение. Но более фигуративные и приземленные образы поп-арта пришлись по душе широкой публике. Этот стиль быстро стал одним из самых популярных в искусстве и одним из первых проявлений постмодернизма.

Поп-арт на миллион: любовь коллекционеров

Поп-арту удалось завоевать сердца широкой аудитории так, как это удавалось немногим современным течениям — и не удавалось с тех пор. Коллекционеры тоже не остались в стороне. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) была продана в 2006 году за ошеломляющие 80 миллионов долларов, став на тот момент девятым по стоимости произведением искусства в истории. Работа Энди Уорхола «Авария зеленой машины» (1963), созданная с использованием синтетического полимера, шелкографии и акрила на льне, ушла с аукциона Christie's в Нью-Йорке в 2007 году за 71,7 миллиона долларов. Неплохо для «низкопробного» искусства.

Титры

Материал подготовлен Вероникой Никифоровой — искусствоведом, основательницей проекта «(Не)критично».

Я веду блог «(Не)критично», где можно прочитать и узнать новое про искусство, моду, культуру и все, что между ними. В подкасте вы можете послушать беседы с ведущими экспертами из креативных индустрий, вместе с которыми мы обсуждаем актуальные темы и проблемы мира искусства и моды. Также можете заглянуть в мой личный телеграм-канал «(Не)критичная Ника»: в нем меньше теории и истории искусства, но больше лайфстайла, личных заметок на полях и мыслей о самом насущном.