Серия «Музей»

Выходец из крестьян, Михаил Дмитриевич Челышов был общественным и политическим деятелем, известным не только в Самаре, но и по всей России. Градостроитель и предприниматель, в 1909-1912 гг. самарский городской Голова и по совместительству член 3 Государственной думы от Самарской губернии, меценат и ярый поборник трезвости - на счету Челышова немало заслуг. В частности, именно он способствовал становлению в Самаре гласности, в результате чего рядовые жители получили возможность контролировать деятельность государственных служащих. Доходные дома, которые он строил, после революции были национализированы и стали коммунальными. Дом №49 на улице Фрунзе - это не исключение. Музей, расположенный на первом этаже, до сих пор соседствует с жилыми коммунальными квартирами.

Музейная экспозиция носит историко-мемориальный характер. В каждом зале отражен определенный период истории города с акцентом на персоналии. Экскурсия начинается с рассказа о зарождении нашего города и строительстве самарской крепости. Для наглядности в центре комнаты стоит большой макет крепости Самары 16 в. масштабом 1:120. Его воссоздали на основании археологических находок и архивных документов. Известно, что самый первый рисунок крепости нарисовал немецкий путешественник, географ и историк Адам Олеарий в 1636 г. По этому наброску студентами педагогического университета был сделан малый макет крепости.

Основу музейной экспозиции составляет портретная галерея. В первом зале на них изображены те, с кого началась история Самары и Самарской губернии – небесный покровитель города Св. Митрополит Алексий, основатель города царь Федор Иоаннович, первый воевода князь Григорий Засекин и основатель губернии император Николай I. Вереница портретов логически дополняет всю экспозицию. Здесь известные купцы и городские Головы, руководители советской эпохи, директора крупных предприятий и политические деятели современности.

Выбивается из основной портретной галереи и обращает на себя внимание уникальная картина, написанная в 1986 г. Юрием Тарасовым специально к 400-летию нашего города. Это собирательный образ купеческой Самары. Сверху на полотне изображены наиболее известные городские достопримечательности: пожарная каланча на Хлебной площади, лютеранская кирха, Покровский кафедральный собор, Филармония, католический храм Пресвятого Сердца Иисуса, кафедральный собор во имя Христа Спасителя, что стоял на Соборной площади (ныне площадь Куйбышева) до 1930-х гг. и после был разрушен, а также драмтеатр, Иверский женский монастырь и дымящиеся трубы Жигулевского пивзавода.

В коллекции музея выставлены документы, подлинные фотографии и личные вещи руководителей города. Среди них - часть личного архива председателя Куйбышевского горисполкома Алексея Росовского, подлинные фотографии семьи Челышовых и даже кусок природного асфальта с асфальтового завода Михаила Дмитриевича из села Батраки. Малоизвестный факт – именно благодаря Челышову Самара стала новатором среди городов Поволжья в деле озеленения и асфальтирования улиц.

Очень многие экспонаты предоставлены потомками купеческих семей Самары. В музее бережно хранится семейный фотоальбом гласного самарской городской думы купца второй гильдии Александра Кудряшова. Альбом оставил музею его первый директор - потомок этой династии. Руководство музея активно занимается поиском родственников и потомков именитых самарских жителей. Со многими из них уже налажены контакты. Благодаря сотрудничеству музейный фонд периодически пополняется уникальными историческими экспонатами и семейными реликвиями, актуализируется и пополняется информационная база.

Посетители музея узнают много интересных фактов о политических и общественных деятелях, самарских предпринимателях. Экскурсоводы отмечают заслуги Петра Алабина, который содействовал развитию в Самаре народного образования, Николая Неклютина, при котором была сооружена каменная набережная реки Волги, Антона Шихобалова, активно занимавшегося благотворительной деятельностью, а также первого губернатора Самарской губернии Степана Волховского.

В музее представлены любопытные экспонаты – литографии 1870-х гг. Тогда был популярен этот способ нанесения рисунка на бумагу с использованием отшлифованных камней. Несколько обломков каменных оттисков как раз можно увидеть в музее. Небольшая экспозиция отведена и современному волжскому казачеству. В ней представлены личные вещи и награды атамана Бориса Гусева.

Перемещаясь по экспозиции и временным эпохам, посетители попадают в зал, посвященный судоходству, космической и авиационной промышленности в Самаре. Здесь же выставлены разнообразные макеты судов, среди которых - первые танкеры, появившиеся в середине 19 в. и старинные колесные пароходы. Представлены переговорные устройства старого образца, а также морской телеграф. Музей богат удивительными, познавательными и просто красивыми вещами. Время от времени проводится смена выставки, залы пополняются новыми экспонатами, не теряя при этом общей концепции: история Самары в пяти комнатах.

Павел и Вера Шихобаловы оставили после себя в Самаре значимое архитектурное и культурное наследие. К первому относится их дом, который был построен в 1905 г. на улице Заводской (нынешняя Венцека) при содействии знаменитого архитектора Александра Щербачева. Сейчас он нам известен как Дом с Атлантами. Семья поселилась там в 1906 г., когда вернулась из Ниццы. Культурное наследие Шихобаловых также составила уникальная коллекция современного русского искусства, которая располагалась в самом особняке семьи. В начале 20 в. купеческая чета владела значительным состоянием, поэтому могла позволить себе дорогие произведения искусства, в отличие от обедневшего дворянства и чиновников.

В парадных залах и жилых комнатах особняка находилась коллекция картин супругов Шихобаловых – Павла Ивановича и Веры Лаврентьевны. С 1895 по 1912 гг. они объехали почти весь мир, совершив двенадцать путешествий по странам Европы, Азии, Африки, Америки и Австралии. Шихобаловы изучали архитектуру, музейное дело, жизнь, быт, экономику и сельское хозяйство этих стран. Семья привозила в Самару сувениры и экспонаты в дар Публичному музею. Мысль о создании своей коллекции картин могла возникнуть у супругов в результате увиденного в путешествиях, а также под впечатлением передачи в дар городу Москве картинной галереи П. М. Третьяковым.

Как вспоминала Вера Лаврентьевна, в заграничных поездках они с мужем если и покупали художественные произведения, то преимущественно украшательского и экзотического характера, еще не думая о собственной коллекции. Шихобалова признавалась, что в произведениях искусства они тогда разбирались мало. Приобщение к отечественной художественной культуре и настоящее коллекционирование началось по совету художника Василия Гундобина после постройки собственного дома. Шихобаловы покупали только то, что им самим нравилось - реалистические картины известных русских художников. Среди них были работы русских художников рубежа веков - Ильи Репина, Василия Сурикова, Виктора Васнецова, Владимира Маковского, Николая Дубовского, Михаила Нестерова, Василия Поленова, Исаака Левитана, Константина Крыжицкого и др. Со многими авторами Павел Иванович был знаком лично и состоял в переписке. Наряду с полотнами И. Е. Репина и В. Е. Маковского, пейзаж Л. Ф. Лагорио «Корабельная пристань» занимал одну из центральных стен в гостиной особняка.

В архиве Самарского художественного музея хранится единственный лист описи коллекции за 1917 г. По нему можно предположить, как были расположены картины в парадных залах и жилых комнатах особняка Шихобалова. Над лестницей были помещены «Король Альберт» и «Портрет Рубинштейна» Репина. Темные стены вишневого цвета в кабинете Павла Ивановича оживляли яркие картины художников Лебедева, Поленова и купленная в комиссионном магазине большая картина Ярошенко «Слепцы». В гостиной находились самые большие полотна Маковского, Крыжицкого и Сурикова. Будуар Веры Лаврентьевны был завешан и заставлен разными рисунками и картинами, японскими гобеленами, статуэтками резной кости и семейными фотографиями. Среди произведений выделяется небольшой рисунок Левитана «Охотник». Больше всего - 22 картины - было в столовой.

В 1918 г., когда началась национализация домов и имущества состоятельных горожан, сын Павла Ивановича Лаврентий передал коллекцию картин Самарскому публичному музею. Впоследствии дочь Вера Павловна оставит несколько воспоминаний об увлечении родителей: «Покупали картины непосредственно у художников, в их мастерских, реже на выставках. Мама всегда поддерживала начинания отца и была его верным консультантом при покупке картин. Она не имела специального искусствоведческого образования, но любила живопись и кое в чем разбиралась. Много книг читала по этим вопросам. Коллекция создавалась постепенно, и еще многое собирались приобрести. Но как только почувствовали, что коллекция, оставаясь в квартире, может оказаться под угрозой, то и поторопились передать ее в музей». С 1920-х гг. шихобаловское собрание картин становится основой живописной коллекции русского искусства второй половины 19 - начала 20 вв. художественного отдела Самарского музея.

В октябре 1918 г. Шихобаловых выселили из Дома с атлантами, а Павла Ивановича арестовали. Сын Лаврентий к тому времени успел уехать в Среднюю Азию, где работал бухгалтером и умер в 1931 г. от сыпного тифа. После выхода из тюрьмы Павла Ивановича Шихобаловы жили в маленьком доме на территории психиатрической больницы. После смерти главы семьи в 1929 г. арестовали Веру Лаврентьевну с дочерью, которая училась тогда в Самарском государственном университете. После освобождения из бузулукской тюрьмы женщины переехали в Ленинград. Перед отъездом они попросили выдать им из самарского музея только портрет отца Веры - купца Аржанова - кисти Маковского. В 1973 г. дочь вернула его в коллекцию вместе с другими памятными вещами матери: семейным фотоархивом, черной кружевной мантильей бабушки и несколькими сувенирами из поездок в страны Дальнего Востока. Вера Павловна работала в Эрмитаже научным сотрудником. В 1955 г. Шихобаловых разыскала в Ленинграде сотрудник Куйбышевского художественного музея Аннета Басс. Этот случай помог восстановить картину собирательства одной из крупнейших самарских коллекций.

Дворец Гальера - это место, которое обязательно нужно посетить всем любителям моды и высокой моды... А также всем любителям искусства и Парижа. Этот музей моды расположен в 16-м округе, недалеко от Дворца Токио, Музея современного искусства и Музея Ива Сен-Лорана. Настоящий артистический район! В этом маленьком уголке столицы Дворец Гальера выделяется среди других своей архитектурой, коллекциями и тематическими выставками. В 19 в. герцогиня Гальера построила на своем участке в 16-м округе дворец для размещения своей коллекции произведений искусства. Работы и дворец были завещаны городу Парижу, который в 1977 г. решил превратить это место в музей моды и костюма. На протяжении десятилетий музей менялся, а его коллекции росли.

Сегодня в музее хранится более 200 тыс. экспонатов, датируемых от 18 в. до наших дней. Здесь есть костюмы 18, 19 и 20 вв., а также произведения высокой моды, современные творения, многочисленные аксессуары, фотографии, произведения графики... Постоянные коллекции музея выставляются на всеобщее обозрение в подвалах дворца с 2018 г., когда Дворец Гальера стал первым музеем моды во Франции, получившим возможность выставлять свои постоянные коллекции. Музей регулярно организует временные выставки, экскурсии и мастер-классы, а также принимает участие в крупнейших культурных мероприятиях города. Дворец Гальера открыт каждый день, кроме понедельника, 1 января, 1 мая и 25 декабря. Билеты стоят от 15 до 13 евро - и ноль евро, если вам нет 18 лет.

12 июля 2014 г. в музее открылась новая выставка, посвященная моде 50-х годов под названием «Les années 50: La mode en France, 1947-1957». Для всех знатоков и любителей французской моды и парижского стиля, в частности, эта экспозиция может стать интереснейшим событием, ведь она соотносится с переломным моментом не просто в истории моды, а в сознании европейцев, измученных двумя мировыми войнами. Но так уж устроен человек – чем сложнее объективная действительность (последствия войн, разрушенные города и судьбы), тем сильнее субъективный фактор. Созидание и желание творить красоту всегда оказывается сильнее разрушения!

Неудивительно, что период 50-х гг. называют золотым веком высокой моды. В 1947 г., когда во Франции еще действовала карточная система распределения продуктов, Кристиан Диор бросил вызов действительности и, не скупясь на ткань, создал воздушный и радостный образ диоровской женщины. Так рождается New Look. В это же время появляется силуэт «бочка» (tonneau) от Balenciaga. Два разных, даже противоположных концепта женской фигуры – стебелек с зауженной талией от  Dior и архитектурный объем от Balenciaga во многом определили дальнейшее развитие европейской моды. В этих ставших легендарными моделях прослеживается элегантность и совершенство стиля парижанки – того потрясающего, неуловимого шарма, который поддается скорее ощущению, чем строгому анализу.

Еще одна выставка - 1997 Fashion Big Bang - также предлагает нам сумасшедшее путешествие: еще раз гламурно вернуться в прошлое и вновь пережить 1997 г.! Как известно знатокам моды, 1997 г. стал поворотным пунктом в истории моды, заложив основы тех стилей и тенденций, которые мы сегодня видим на подиумах и в наших гардеробах. С помощью этой выставки Дворец Гальера демонстрирует нам влияние этого знаменательного года, представляя многочисленные знаковые коллекции дизайнеров и стилистов, которые внесли свой вклад в превращение Парижа в столицу моды: Жан Поль Готье, Тьерри Мюглер, Раф Симонс, Comme des Garçons, Мартин Марджела, Джон Гальяно, Хеди Слиман, Стелла Маккартни... - все эти великие дизайнеры появились в тот год или переосмыслили коды и стили в своих коллекциях, изобретая новый способ делать моду.

Более пятидесяти силуэтов рассказывают историю этого сумасшедшего года, от экстравагантных показов мод до фотосессий, включая номинации, открытие концептуального магазина Colette и трагическую смерть Джанни Версаче. Видеоролики и неопубликованные архивные документы завершают это путешествие, полное сюрпризов и эмоций. Этот нетипичный тур освещает творения, которые столь же экстравагантны, сколь и нетленны. Некоторые силуэты выделяются своей оригинальностью, в то время как другие стали классикой с элегантностью, неподвластной времени. Мы также ценим журнальные страницы, фотографии, видео и множество элементов, которые рассказывают о маленьких и больших моментах этого исключительного года. Мы вспоминаем тех, кто исчез, мы (заново) открываем для себя фильмы и сериалы, которыми был отмечен 1997 г...

Еще одна выставка, посвящена Альберу Эльбазу. На экспозиции представлены трибьюты дизайнеров с показа AZ Factory Love Brings Love. На выставке можно увидеть около 45 нарядов с шоу, включая трибьюты дизайнеров и два образа, созданных командой AZ Factory. Освещение экспонатов такое же, как и на показе. Все наряды выставлены на специально созданных манекенах с такими же оттенками кожи, как и у моделей на шоу. В выставочных залах также проигрываются видео с показа, чтобы воссоздать атмосферу шоу-трибьюта. Кроме того, на выставке можно увидеть фото с бэкстейджа и узнать биографию Альбера Эльбаза.

От редактора: Я влюбился в последнюю выставку и представленные там платья! (Меня точно не заставили это написать)).

Музей плохого искусства был создан в 1994 г. антикваром Скоттом Уилсоном, который увидел картину «Люси в поле с цветами», торчащую из мусорной урны в Бостоне и решил, что подобные произведения должны быть собраны и сохранены. Уилсон выставил «Люси» в доме своего друга и призвал друзей искать другое «плохое искусство» и уведомлять его о своих находках. Когда Уилсон приобрёл другой «шедевр» и поделился находкой с другом, они решили начать собирать коллекцию. В марте 1994 г. друг Уилсона и его жена устроили в своём доме приём, который шутливо назвали «Открытие музея плохого искусства».

Регулярные показы части собранных Уилсоном и его друзей экспонатов явно превышали возможности маленького дома, так как в приёмах принимали участие сотни человек. В 1995 г. выставочная площадка была перенесена в подвал Любительского театра, и, как отмечает The Boston Globe, коллекции произведений искусства размещены «недалеко от мужского туалета», где соответствующие звуки и запахи якобы «помогают поддерживать равномерную влажность».

В 2009 г. МОВА объявила сбор средств на оказание помощи художественному музею Роуза в университете Брандейса, который рассматривал возможность продать часть картин из-за финансового кризиса. Текущий куратор МОВА музыкант Майкл Франк разместил на аукционе eBay картину «Исследования пищеварения» (Studies in Digestion) - на четырёх панелях показаны четыре фазы работы человеческого пищеварительного тракта; лот в конечном итоге был продан за $ 152,53 при начальной ставке $ 24,99. Эти скудные доходы пошли в музей при университете, в то время как Музей плохого искусства получил известность.

Кража одного из экспонатов музея также привлекла к нему внимание средств массовой информации и повысила известность музея. В 1996 г. картина «Эйлин», работы Р. Анджело Ли (R. Angelo Le), исчезла из МОВА. Музей предлагал вознаграждение в размере $ 6,50 за возвращение «Эйлин», и хотя в дальнейшем сумма вознаграждения была увеличена до $ 36,73, работа осталась невозвращённой на протяжении многих лет.

После кражи картины персонал музея установил поддельные видеокамеры с подписью: «Внимание. Это помещение защищено поддельными видеокамерами». Несмотря на этот сдерживающий фактор, в 2004 г. пропал еще один экспонат. Вор подбросил в музей записку, в которой требовал выплатить 10 долларов, но он не указал какую-либо контактную информацию и в итоге подбросил украденное обратно.

Картины появляются в музее благодаря художникам, которые сами приносят свои неудавшиеся эксперименты. Так же работы дарят люди, у которых дома хранятся подходящие «шедевры» или которые они приобрели где-то. Музей нечасто покупает картины, обычно они поступают в дар. Иногда музей приобретает работы на аукционах. Первоначально допускалось потратить на один экспонат до 6,5 долларов. В дальнейшем за исключительно интересные произведения разрешили платить до 20 долларов.

В настоящее время в MOBA представлено более 500 произведений искусства на постоянной выставке. Однако это не означает, что кураторы музея берут себе любую плохо нарисованную картину, даже несмотря на то, что девиз музея: «Искусство настолько плохое, чтобы быть проигнорированным» - картины перед поступлением в коллекцию проходят строгий отбор. По словам одного из основателей, девять десятых работ его не пройдут, потому что они недостаточно плохи. Чтобы попасть в коллекцию, произведения должны быть оригинальными и созданными с серьезными намерениями, а не для шутки и не ради попадания в экспозицию музея. Кураторам не нужен намеренный китч. В то же время картины должны иметь существенные недостатки и не могут быть скучными. Также музей не собирает предметы искусства, созданные детьми, на фабрике или специально для туристов.

Мана Лиза. Картина представляет собой неудачную интерпретацию известной картинки «Мона Лиза» Леонардо да Винчи.

«Пабло Пресли». Бонни Дейли. 1994. На картине изображен портрет Элвиса Пресли в стиле Пабло Пикассо. Однако, художник не сумел передать ни черты лица Пресли, ни стиль Пикассо.

«Желто-синий принц». Фрэнни, 2006. В музейной аннотации сказано: «Принц изображен одновременно анфас и в профиль. Фрэнни не пожалела краски, и картина выглядит так, будто ее писал Ван Гог под ЛСД».

«Чарли и Шеба». Автор неизвестен. 2007. На картине «Чарли и Шебы» животные представлены с непропорциональными размерами и искаженными анатомическими чертами, а цветовая гамма картины включает яркие и неестественные оттенки, что создает эффект нереальности и необычности. Неровные штрихи и дерзкие кистевые движения придают произведению динамику и живость.

«Женщина верхом на ракообразном». Автор неизвестен. 2008. На картине изображена женщина, сидящая верхом на ракообразном существе. Ее поза довольно кукольная и не передает ясных эмоций или намерений. Формы и пропорции ракообразного явно не соответствуют реальности. Он выглядит крайне искаженным и оторванным от реальности. Возникает вопрос о взаимосвязи между персонажами и их окружением, а также о значении и символике произведения.

«В ветреный день». Боб Рутс. 2009 Автор картины «В ветреный день» пишет: «Мне очень понравилось, как вышел сарай. Но, начав рисовать людей и зверей, я понял, что с пропорциями у меня большая проблема».

«Мама и ребенок». Сара Ирани. Яркость красок и структура лицевых костей делает портрет «Мама и ребенок» по-настоящему незабываемым.

«Дама в больших штанах». Автор неизвестен. Главным аспектом произведения «Дама в больших штанах» являются штаны, которые привлекают внимание своими гигантскими размерами. Они непропорционально огромные и выделяются яркой цветовой гаммой, что создает визуальный дисбаланс. Женская фигура на картине также отличается от обычных норм. Персонаж имеет неестественно длинные и изогнутые ноги, что вызывает ощущение деформации и неправдоподобности. Вместе с крупными размерами штанов, это создает эффект карикатурности и преувеличения.

«Мечты о короткой стрижке», «Мечты остриженного ежиком». Леонардо. 2006. Расположение фигур на картине довольно хаотичное, из-за чего сложно понять, что именно в виду имел автор. Мужчина с короткими волосами изображен среди тюленей, змей и других существ, разделяющих его ярко-красные черты лица. На первый взгляд, мы ожидаем, что он почувствует дискомфорт или угрозу, но эти существа улыбаются и обнимаются.

«Голубое танго» Автор неизвестен, 2014.

«Выплюнутые кубики Рубика» К. Кох, 2007.

«Мопс Ронан»

«Собака» Автор неизвестен

«В пасти кота»

«Котенок Питер» Миссис Джексон

«Демоны Джины» Автор: Джина

«Мартовское безумие» Адам Левилл, 1996

Владелец самарского пивоваренного завода Альфред фон Вакано много путешествовал и привозил домой из своих поездок множество уникальных вещей. Вместе с Марией Баредер они побывали во многих местах: в Китае, Индии, Японии, Иране, Африке, Австралии, Греции, Италии, Германии, Дании, Голландии, Франции и т.д. Говорят, у Вакано был даже собственный агент в Каире, который скупал для него египетские древности. 

В 1913 г. в Каире фон Вакано приобрёл самые миниатюрные по размеру изделия из глины, керамики, дерева, бронзы и кости, чтобы они поместились в один-два дорожных ящика и их можно было легко перевезти в Россию. Еще из Египта Вакано привез модель древнеегипетской пивоварни, коптский светильник в виде раннехристианского символа - рыбы, погребальные статуэтки, бронзовую статую богини и священных жуков-скарабеев из зеленой яшмы.

В Индии он приобрел коллекцию миниатюрной живописи 18 - 19 вв. тончайшей работы с ювелирной отделкой деталей, в Японии – шкатулки, инкрустированные костью и перламутром и керамику 19 в. Китайская коллекция включала в себя изделия из лака, слоновой кости, дерева, полудрагоценных камней, инкрустированную резную мебель, вышивки, резные каменные фигурки даосских святых.

Также, в Египте Вакано приобрел саркофаг с древнеегипетской мумией, который он в 1913 году подарил Самарскому художественному музею. Однако революцию мумия не пережила, есть разные версии, что с ней произошло: съели мыши, украли и вывезли за границу и т.д. Коллекция произведений восточного искусства фон Вакано составила фундамент восточной коллекции Самарского художественного музея.

Европейскую часть коллекции фон Вакано представляют фарфор и керамика, произведенные в Голландии и Словакии. Словацкая керамика связана с деятельностью религиозной общины – габанами. Когда-то эти христиане-протестанты появились на территории Италии. Гонимые католической церковью, они кочевали по Европе. Как иностранцы они были лишены права иметь клочок земли, разрешалась только ремесленная деятельность. Ни в одном музее России, кроме Самарского художественного музея, нет образцов продукции габанов.

После революции большая часть древнеегипетской и античной коллекции Вакано оказалась в собрании Государственного Эрмитажа, который теперь иногда предоставляет Самарскому художественному музею для экспонирования произведения древнеегипетского и античного искусства из вакановского собрания. 

Организация музея этнографо-археологического музея началась в мае 1920 г. В его основу также вошла обширная коллекция Альфреда Филипповича, переданная Самарским Совнархозом, вследствие настойчивых усилий Общества археологии, истории и этнографии. Коллекция эта состоит из 550 номеров и содержит предметы археологии, этнографии и прикладного искусства.

Многие из нас смотрели фильм "Пираты Карибского моря", из которого прекрасно усвоили, что море полно таинства и мистики. В самом сердце Карибского моря, на его дне есть один странный объект - действующий музей фигур. Подводный музей Канкуна, известный как MUSA, - это некоммерческая организация, базирующаяся в Канкуне, Мексика, и посвящённая искусству сохранения окружающей среды. В музее представлено в общей сложности 500 скульптур, созданных рядом международных и местных скульпторов, в трёх различных галереях, расположенных на глубине от трёх до шести метров (от 9,8 до 19,6 футов). Площадь Подводного музея в Канкуне - 420 кв.м.

Музей был задуман директором Морского парка Хайме Гонсалесом Кано с целью сохранить близлежащие коралловые рифы, предоставив дайверам альтернативное место для погружения. Он был основан в 2009 г. и официально открыт в ноябре 2010 г. Проведя исследование в поисках опытного подводного скульптора, доктор Гонсалес Кано наткнулся на Джейсона Декейрса Тейлора, который был пионером в использовании подводных скульптур для создания искусственных рифов в проекте в Гренаде, который продемонстрировал ценность искусства для сохранения, в парке подводных скульптур Молинере.

К концу 2013 г., через пять лет после основания MUSA, на дне океана было установлено в общей сложности 500 бетонных скульптур. 477 из них выставлены в галерее Манчонес, а 23 - в галерее Нисук. Кроме того, 26 копий и одна оригинальная скульптура находятся в центре для посетителей в торговом центре Plaza Kukulcan в гостиничной зоне Канкуна. Установленные скульптуры также становятся основой для формирования новых кораллов и домом для морских обитателей. Музей подводных скульптур - это не только живописное и необычное место, ведь он выполняет важную функцию – показывает сложные взаимоотношения между людьми и окружающей средой.

Скульптуры возведены на тяжелых основаниях, чтобы их не снесло течением. В качестве материалов использован специальный морской бетон. В отзывах посетители пишут, что Подводный музей «MUSA» в Канкуне - очень необычное, фантастическое место. Скульптуры под водой выглядят сюрреалистично, немного пугающе, но притягательно, они заставляют задуматься о влиянии человека на природу. Кроме арт-объектов, под водой можно увидеть разноцветных рыб, черепах, кораллы. Скульптуры музея собраны в комплексы. Например, внимание удаляется таким сферам жизни человечества как «Завоевание», «Революция» и «Независимость». Большинство произведений искусства подводного музея представляет собой людей в натуральном размере. Но есть и дома, автомобили и большая подводная мина.

Создается впечатление, что турист находится в машине времени и наблюдает большой пласт истории от древних народов Майя до современности. Кажется, что здесь ушла под воду целая цивилизация древних людей. Каждому экспонату было дано уникальное имя, например «Человек в огне», в котором из дыр растут «огненные» кораллы, «Собиратель грез» или «Девушка-садовник». А самая масштабная композиция имеет название «Тихая революция». Многие слепки были сделаны художником с реальных людей.

В цементной фигуре «Человек в огне» имеется 75 отверстий, где посажены живые огненные кораллы. Это быстро растущий морской организм жёлтого, оранжевого и коричневого цвета, который в случае прикосновения вызывает болезненные ощущения. Ожидается, что со временем будет казаться, что фигура на самом деле охвачена огнём под водой. Отверстия пробурены на каждой стороне тела так, что когда коралл разрастётся, его тонкие длинные щупальца будут напоминать пламя. Таким образом, если смотреть на скульптуру издалека, можно будет увидеть силуэт человека в огне.

По замыслу автора, человек охвачен огнём, но он этого не знает, так и мы, кажется, ничего не знаем о том, как наша деятельность влияет на планету, на которой мы живём. Перерасход органических ресурсов ведёт к истощению планеты, и в скором времени они закончатся. Куски огненного коралла были взяты с участков, пострадавших от деятельности человека или тропических штормов. Небольшая часть кораллов была выращена искусственным путём.

Композиция «Коллекционер потерянных надежд» изображает подводный архив, хранителем которого является мужчина. Архив - это сотни посланий в бутылках, которые были собраны в этом месте силами океана. Хранитель архива сортирует бутылки в соответствии с характером их сообщений - страх, надежда, потеря или отношение к чему-либо.

Композиция «Садовница Надежды» изображает молодую девушку, лежащую на ступенях террасы и ухаживающую за растениями в цветочных горшках. Скульптура находится на глубине четырех метров в районе Пунта Низус в Канкуне. В горшках растут живые кораллы, которые удалось спасти на рифах, пострадавших от бури и деятельности человека. Существует хорошо отлаженная техника, которая позволяет спасать фрагменты поврежденных коралловых рифов, предоставляя им новую подходящую почву.

Являясь синтезом искусства и науки, эта скульптура, изображающая деятельность человека в позитивном ключе регенерации, символизирует надежду и процветание. Молодая девушка является символом новой, восстановленной связи с окружающей средой, символом модели поведения для будущих поколений. Взаимодействие живых и неживых объектов подчеркивает потенциальные симбиотические отношения с жизнью подводного мира.

За последние несколько десятилетий мы потеряли свыше 40% природных коралловых рифов. Ученые предсказывают, что при сохранении данной тенденции к 2050 году мы потеряем 80% рифов. «Садовница надежды» призвана привлечь внимание общественности к этой важной экологической проблеме, про которую мы часто забываем. В конструкции скульптуры существуют специальные места, предназначенных для того, чтобы там могли обитать некоторые виды морских жителей, такие как мурены и лангусты.

В подводном музее Канкуна в Мексике коллекция скульптур носит название «Тихая эволюция». Она отображает историю человечества, начиная с древних цивилизаций майя до наших дней. Акцент сделан на таких исторических моментах, как «Завоевание», «Независимость» и «Революция». Скульптуры выполнены в натуральную величину и изображают конкретных людей.

Образами для «Молчаливой эволюции» послужили представители самых разных слоев общества, преимущественно мексиканского, из самых разных областей жизни. Скульптуры тоже были совсем разные, от Росарио, 85-и летней монахини, до Сантьяго, 3-х летнего мальчика. У них разные профессии, представленные по всему миру, включая бухгалтера, инструктора йоги, рыбака, студента, акробата, плотника и егеря. Композиция представляет собой скопление людей, иллюстрирующее, как все мы реагируем на серьезные вопросы, касающиеся окружающей среды и нашего воздействия на природу. Работа обладает оптимистичным настроем и взглядом в будущее, выражает надежду на то, что люди будут едины в борьбе с этой проблемой.